Cuando en 1835 Gaetano Donizetti (1797-1848) estrenó 'María Stuarda' en La Scala de Milán todavía la tragedia romántica seguía presente en la novela, la poesía, el teatro y la ópera. El libreto de Giuseppe Bardari se inspiraba en el drama de Schiller. Mientras musicalmente las obras representativas de la época exhibían todas las posibilidades y trucos para el brillo de las voces - la oportunidad de lucir una buena coloratura, los trinos, la intensidad de los agudos, los finales sostenidos para precipitar el aplauso...-, desde la perspectiva argumental el drama historicista se construía bajo una exaltación en la que se mostraran pasiones llevadas al extremo.

Hay un subgénero temático teatral que incide en el interior de las grandes compañías y en los pequeños y medianos Walt Street, donde pueden ubicarse variados trabajos desde el 'Glengary Glen Rose' de David Mamet a algunas producciones vistas en los últimos años en escenarios españoles sobre las entretelas y las trastiendas del capitalismo; algunas perfectamente olvidables porque se limitan a acumular tópicos.

No deja de ser una rareza que la misma producción estrenada en 1990 en La Zarzuela, la primera que dirigía en su vida escenicamente Emilio Sagi -cuyo tío Sagi Barba la cantó en 1934 cuando 'La del manejo rosas' se estrenó en el desaparecido teatro Fuencarral de Madrid- se haya repuesto hasta seis veces, cambiando tan solo los nombres del equipo artístico, con el mismo decorado-base y transformaciones en el vestuario que se ha venido renovando, y que además la misma se haya hecho en los teatros españoles que permiten las dimensiones de sus decorados, en París y en Roma. O que probablemente no haya que esperar mucho tiempo para la séptima: la totalidad de las entradas están vendidas muchos días antes de su estreno oficial; aspecto habitual en las últimas temporadas de La Zarzuela siempre que se programan los títulos sonados del repertorio.

En su segundo estreno de la temporada el Teatro Real acoge su coproducción con la Royal Opera House 'Thedora', un oratorio de Händel estrenado en Londres en 1750 sin demasiada repercusión en su momento, pero que tres siglos más tarde y especialmente a través de sus versiones de concierto ha acabado por convertirse en una de las piezas fundamentales y más exquisitas de la música barroca. Desde la perspectiva del libreto original de Thomas Morell, inspirado en el 'Martirio de Thedora y Didimos' de Robert Boyle, el argumento gravitaba en torno al sacrificio de unas mártires cristianas perseguidas hasta la muerte en la época de Diocleciano.

La iniciativa Canal Hispanoamérica de Teatros del Canal de Madrid permite conocer montajes que en sus lugares de origen se han convertido en producciones de referencia; a lo que hay que unir el acuerdo con el Festival Teatro a Mil de Chile que logra el intercambio de iniciativas teatrales locales y españolas. Bajo esa sinergia ha pasado por los escenarios madrileños 'Tetris' del grupo Bonono, que es la tercera parte de una trilogía formada por 'Donde viven los bárbaros' (2015), 'Tú amarás' (2018) y la presente que ahora se ve en España. Un texto de Pablo Manzi a su vez codirector teatral de esta producción junto a Andreína Olivari y actor en la misma.

Estrenada como zarzuela en 1844 y en versión ópera en 1871 'Marina' ha pervivido a lo largo del tiempo como referencia del género lírico español, casi siempre representada dentro de las características del llamado 'género chico'; pero a la vez con la oportunidad de acercarse a lo que pudo ser en pleno XIX una ópera española cuando la italiana y la alemana arrasaban en los escenarios. Compuesta por Emilio Arrieta, el libreto original de Francisco Camprodón se basó en una antigua ópera cómica francesa de 1831 titulada 'La veillèe'. Aunque en este caso el libreto no es tan chirriante como en zarzuelas que han llegado hasta nuestros días si que se puede decir que argumentalmente 'Marina' no destaca precisamente por su originalidad: una convencional historia sentimental en torno a una joven de Lloret de Mar que se mueve entre distintos amores.

Dos antiguos amigos metidos en la cuarta década de vida, arquitecto y director de cine, y sus respectivas parejas, una actriz sin éxito y una enfermera. Y una visita a la casa de la primera pareja que acaban de ser padres.

Una autora húngara, Agota Kristof, exilada en Suiza publicó una novela en francés sobre dos hermanos que en una situación de guerra y opresión (se supone que la Europa de los años 40) son enviados por su madre a un lugar apartado a cargo de una abuela cruel, egoísta y puede que asesina. A finales del pasado siglo una compañía chilena La Troppa convirtió la historia en un montaje teatral titulado 'Gemelos'. Cuando los ojeadores del festival de Avignon buscaron obras para su prestigioso escenario se fijaron en esta producción, que veinticinco años atrás posteriormente a su paso por esa plataforma llegó a convertirse en espectáculo de eco y difusión mundial.

Un hombre a punto de pisar la cincuentena se siente fracasado en todos los aspectos: laboralmente desubicado, su mujer le ha abandonado...Y rebuscando en sus recuerdos tiene una frustración que arrastra desde la infancia: su incapacidad para nadar en aguas abiertas. Para superarlo busca el asesoramiento de un antiguo nadador olímpico con la intención de resolver su reto personal.

No por repetido sigue siendo una constante: la absoluta ignorancia respecto a la creación contemporánea portuguesa, de la que apenas se difunden en España sus obras. Ni siquiera se estrenan las películas del vecino país ni sus producciones teatrales.

Sobre el papel la promesa de un nuevo largometraje español sobre el mito del hombre-lobo parece remitir al cine de terror o al de fantasía gótica. Nada más lejos en 'Lobisón' ('Llobás') producción valenciana recientemente estrenada en salas de cine que firma en su segundo largometraje dirigido Pau Calpe, y se adentra plenamente en el subgénero del cine social. Adrià es un joven mudo que junto a su hermano mayor y la novia de este sobreviven en una destartalada furgoneta a modo de nómadas de nuestra época de pueblo en pueblo y sin un destino fijo. Saliendo a flote a base de picarescas (accidentarse para cobrar una indemnización), recogiendo chatarra o 'descuidero' en supermercados y repartos. El retrato de esa España áspera y marginal que transita del interior de la provincia de Castellón y su montaña al delta del Ebro es recio pero no sensacionalista. Tono que preside la totalidad de la película.

La última vez que el Teatro Real acogió 'Madama Butterfly' de Puccini, que es la octava ópera más representada de la totalidad del género desde su estreno en 1904, lo fue en 2016 en la versión de Mario Gas que situaba la acción en un estudio de Hollywood donde se estaba rodando una película sobre este asunto. Ahora y durante dieciocho funciones hasta el próximo 22 de julio sube a escena esta producción dirigida en lo escénico por Damiano Michieletto estrenada hace más de una década en el Teatro Regio de Torino, en la que se eliminan totalmente buena parte de los elementos ideográficos que habían constituido la base del argumento de la famosísima ópera.

Vigués, aunque ocasionalmente residente en Madrid, Domingo Villar (1971-2022) escribía en gallego y con rapidez lo traducía al castellano, también iba leyendo a su padre lo que iba componiendo casi a modo de constante corrección y de opinión. Casado con una aragonesa y padre de tres hijos su obra literaria se resume en una novela aparecida en 2006, 'Ojos de agua', a la que siguió en 2008 su gran éxito 'La playa de los ahogados', cerrado con 'El último barco' (2019), un ciclo de tres novelas que podrían adscribirse a un formato de 'thriller' casi melancólico donde el lector puede esperar desafíos mentales, pero donde no aparecen tiroteos, balazos a granel, persecuciones de 007 ni titánicas peleas. En ellas creó a un personaje 'Leo Caldas', un atípico policía caracterizado por una cierta timidez, acompañado por su ayudante de procedencia aragonesa, desplazándose por escenarios muy identificables de Galicia contados con evidente sensación de ternura: de los clubes de jazz al mundo del litoral.

Primavera de 2019. En tiempos de pre-pandemia el Teatro de La Zarzuela de la mano de su anterior director Daniel Bianco estrenó una versión libre de 'Doña Francisquita' a cargo del director escénico de Reus, Lluis Pascual, también autor de los textos nuevos que acompañaron a esta cara coproducción con el Liceu de Barcelona y la Ópera de Lausanne. Un gran despliegue en todos los sentidos, que sin embargo, registró el virulento rechazo de un sector muy conservador del público, ese que considera la zarzuela casi de su propiedad. Tanto que llegaron a oírse más que palabras en alguna de las representaciones a cargo de un grupo maleducado de descontentos alborotadores.

La temporada que ahora acaba en el Teatro de La Zarzuela, última correspondiente a su anterior director Daniel Bianco, se saldó en lo que va de año con dos arrolladores impactos de taquilla: 'La rosa del azafrán' y 'La verbena de La Paloma'. No es que vendiera todo el aforo, algo muy habitual, sino que a las pocas horas del estreno estaban todas las localidades agotadas para el resto de las representaciones. Es decir, hay un público 'adicto' a los títulos del repertorio clásico del género...Aunque un teatro de estas características también debe apostar por formatos innovadores, tratamientos más arriesgados y por la incorporación de títulos nuevos cercanos a la sensibilidad de hoy.

Estrenada en 1895 'La importancia de llamarse Ernesto' es el título más representado del teatro de Oscar Wilde. En la escena española apareció en la década de los 20 del pasado siglo y desde entonces ha tenido una dilatada trayectoria, tanto como en televisión o en cine. Se trata de una muy agradecida comedia victoriana en la que Wilde utiliza la fría ironía y un humor de cierta acidez para contar una anécdota mínima: el enredo de dos amigos que crean personajes ficticios para sentirse más libres dando lugar a una serie de equívocos bajo la envolvente sombra de las convenciones sociales de la época, el clasismo y la verdad/mentira de la hipocresía. El juego escénico es ágil y los finos diálogos siguen teniendo frescura. Habitualmente 'Ernesto' se ha representado bajo estéticas de época victoriana o eduardiana, incluso bajo la de entreguerras o la de los 50. En 2018 David Selvas, director (y conocido actor de cine y tv) estrenó en catalán esta versión producida entre otros por el Teatre Nacional de Catalunya en la que la época se traslada a un tiempo casi contemporáneo. Aunque el decorado siga siendo el de una mansión de la alta burguesía en este caso repleta de tiestos y flores, según el espacio escénico creado por José Novoa, con el añadido de batería y teclado que juegan amplio cometido en la traducción de Cristina Genebat puesta en escena por Selvas.

Una pre-adolescente (interpretada por la eficaz Cailey Fleming) cuyo padre (John Krasinski) permanece en un hospital de Nueva York antes y después de una operación, de la mano de su abuela vuelve a residir por unos días en una vivienda donde recobra a antiguos amigos y personajes que los seres reales han ido perdiendo una vez que han cumplido años.

La incorporación de nuevos títulos de creación contemporánea al repertorio de la ópera es un deber para un coliseo de proyección mundial como el Teatro Real, y especialmente cuando se trata de la obra de autores españoles; en este caso Tomás Marco (1942) creador tanto del libreto como de la parte musical de 'Tenorio', estrenada en versión concierto en 2017 en El Escorial y que por primera se hace representada.

¿Convivir con el miedo?, ¿reconocer el temor como uno de los motores de la vida?, ¿reírse del 'miedo al miedo' en el que se sobrevive?, ¿utilizar elementos de la cotidiano para poner en evidencia nuestra resistencia al temor?, ¿generar una dialéctica del enfrentamiento entre realidades tan complejas como la incertidumbre, la inquietud, el pánico, el miedo a la nada...? Son preguntas que se suscitan en 'Lapis Lazuli' último montaje del griego Eurpídes Laskaridis y su compañía Ósmosis, estrenado en Atenas a principios de abril y que solo durante dos fechas ha recalado en los Teatros del Canal de Madrid con llenos completos y una cálida acogida del público español a un montaje sin texto. Pero donde las onomatopeyas, los ruidos, las frases descontextualizadas en otros idiomas, los gritos, o los ruidos tienen tanto que ver como la creación escénica, la invención de ambientes teatrales, el vestuario o el increíble maquillaje de Laskaridis y todo el grupo a lo largo de una frenética y dinámica función en la que no hay pausas de intensidad.

Tantas veces se han asociado al madrileñismo estereotipado las puestas en escena de 'La verbena de La Paloma', sin ninguna duda el título más representado de la historia del género desde su estreno en el Teatro Apolo a finales del XIX hasta el día de hoy, que esta nueva producción aparece como algo renovador sin dejar de responder a sus orígenes. La composición de Tomás Bretón bebía de las corrientes musicales de su época, incluida la opereta, la habanera y la mazurka, con una aproximación hacia lo popular que en aquel tiempo se escuchaba en la calle: chotis, seguidillas, soleares...Y en cuanto a su libreto la referencia era el sainete costumbrista de la mano de Ricardo de la Vega.

Estrenada en el Teatro de la Corte de Múnich en 1868 'Los maestros cantores de Núremberg' carece tematicamente de cualquier contenido dramatizado apocalíptico. Por el contrario desarrolla una linea de cierto tono amable donde hay espacio para la ironía y una perspectiva de humor. En el que se desarrolla una historia de amor con personajes que se aman a dos bandas, pero donde su relación es amable y compasiva. Aunque en el trasfondo hay un choque entre dos concepciones que van más allá de la poesía o de la música: la conversión del canon o de la regla en una cadena inmovilista que se acaba por enfrentar a la propia vida, el conflicto entre lo nuevo y la innovación frente a la tradición de lo forzosamente repetido, la defensa del 'arte sin reglas' en contra de los intereses de lo establecido. La controversia esta presente a lo largo de la obra y el libreto acentúa ese tono con apuntes casi festivos; algo muy insólito en Wagner.