En 2024 cuando el Teatro de La Zarzuela produjo una 'Verbena de La Paloma' dirigida escenicamente por Nuria Castejón señalamos la oxigenación de una obra representada centenares de veces desde su estreno a finales del XIX; incluso a lo largo del XXI en este mismo escenario (alguna tan olvidable como la de Pablo Mesiez para el Proyecto Zarza). Esta abre la nueva temporada del coliseo donde estará hasta los primeros días de octubre, con un doble y numeroso reparto entre el que primeras figuras de la lírica española.

En su origen la novela 'Manon Lescaut' del Abate Prévost (1731) presenta a una mujer presa de su belleza y atractivo físico a la que su atracción hacia el lujo y el dinero (se debería decir también el amor y el sexo, en una época en la que ese concepto les estaba vedado sin capacidad de iniciativa) 'enfrían' su verdadero amor y la condenan a poner océano por medio hacia América.

La herencia andalusí forma parte de la identidad del sustrato cultural hispano.. Uno de los mayores momentos de esplendor de Al-Andalus se produce en la Córdoba del califato de los Omeya a finales del siglo X momento en que es referente mundial de ciencia, tecnología, pensamiento y cultura. En ese contexto hay una figura referencial como es la del sabio Ibn Hazm, al que conocemos como autor de 'El collar de la paloma' que es una especie de tratado sobre el amor y la relación sentimental. Traducido al castellano en 1952 por Emilio García Gómez con prólogo de Ortega y Gasset es un curiosísimo texto sobre una cultura en sus expresiones de vida mas cotidianas.

Como al principio de cada verano el Centro Dramático Nacional presenta su programación para la temporada 2026-27. En esta edición utiliza el término: "Desde el drama al futuro. No todo está escrito", bajo un eslogan casi críptico, en lo que constituye la unidad del teatro público, que dirige Alfredo Sanzol cuya temática se centra en el ensayo, la experimentación, la innovación y la temática sobre preguntas de nuestra época. Montajes que se verán en el María Guerrero y en las salas del Valle Inclán, muchas de ellas también girarán por otros escenarios españoles.

Entre los grandes títulos de la historia del bel canto está esta obra de Verdi estrenada en 1853 y vista por primera vez en el Teatro Real en 1854. Una partitura sublime con alguno de los momentos-cumbre de todo un género, pero a la vez con un 'defecto' que bajo criterios contemporáneos se acentúa: la ausencia de acción. Las situaciones se cuentan desde la distancia, se realizan fuera de escena, no se viven ante los ojos del espectador.

No debe sorprendernos que la reinterpretación escénica de un clásico depare sorpresas inesperadas. Esto nos ocurre con algunas novelas, textos teatrales y óperas. 'El gato montés' es una ópera española escrita y compuesta por Manuel Penella y estrenada en 1917 en el Principal de Valencia que forma parte de una antología de mitos hispanos, empezando por su famoso pasodoble.

Se puede decir con toda propiedad que la temporada 26/27 es realmente la primera con producciones concebidas por la actual dirección (Isamay Benavente) más allá de los encargos heredados. Y se ha empezado tirando de producciones propias que funcionan y hacen taquilla. En su momento comentamos que 'La verbena de La Paloma', con el prólogo 'Adiós Apolo' bajo la dirección teatral de la también coreógrafa Nuria Castejón (y ahora dirigida musicalmente por Carlos Aragón), representa una re-lectura de una de las obras emblemáticas en la memoria colectiva española que la aleja de la caspa y el convencionalismo de la tienda de alquiler de disfraces de madrileña. Se trata de un tratamiento donde lo corporal tiene tanta presencia como lo vocal acercándolo a una especie de musical caracterizado por el rechazo al estatismo. Inaugura la temporada ahora con un nuevo reparto en el que aparecen, entre otros: Borja Quiza, Rafa Castejón, Ana San Martín, Carmen Romeu, María Rey-Joly, Toni Comas...

La obra más conocida de Charles Gounod (1818-1890) es 'Fausto' y su pieza más repetida su 'Ave María' (aparte de las notas que Hithcock usó como sintonía en su serie de televisión, todo sea dicho de paso). 'Romeo y Julieta' estrenada en 1887 responde a lo que en su momento fue la extraña monarquía de Luis Napoleón (y de Eugenia de Montijo), personaje pintoresco que pasó de presidente de la República a emperador: la 'grandeza imperial' de Francia en toda su magnitud. (De la importancia que la ópera tuvo en esa sociedad podemos dar una pincelada: tras sufrir un atentado camino del teatro donde se producen varias muertes, Luis Napoleón y Eugenia de Montijo llegan a la sala como si nada pasara, haciendo una perfecta representación de sus personajes reales).

Un CEO de mediana edad en una importante compañía, casado con una esposa que ya no le atrae tanto como tiempo atrás, y que acaba de ser abuelo, un hombre dispuesto a trepar para conseguir todo aquello que desea, recibe un trasplante de corazón que le permite prolongar su vida muchos años. Pero la personalidad de quien le ha cedido su corazón le genera inquietud hasta la obsesión.

La agitada historia del Imperio Austro-Húngaro atrapó a un compositor de Bohemia llamado Becelích Smetana (1824-1884), primero pianista que aspiró a hacer la gran obra lírica de su país, estrenando varias óperas en clave épico-dramático, y cuya vida fue terrible acabando por padecer sordera. La que mejor ha soportado el paso el tiempo es 'Dalibor' representada en 2025 en República Checa y en Estados Unidos. Pero la que verdaderamente ha sabido sobrevivir es aquella que en su época fue considerada, también por el autor, una 'obra menor', 'La novia vendida', estrenada en Praga en 1870 y en el primitivo Real en 1924.

El subgénero del 'feel good' acumula una colección de argumentos en los que frente a las peripecias que han de atravesar los protagonistas se impone un final en el que el bien y la justicia se imponen, haciendo que los espectadores acaben con un sentimiento de positividad a sabiendas de que los justos triunfan frente a los torvos y atravesados. En esa gama hay infinidad de matices, desde la blandura conformista de ciertos argumentos que dejan sensaciones almibaradas a relatos en clave más dramática donde la lucha acaba por abrir un rayo de luz.

Estrenada en Madrid en 1851 y representada en diversas producciones, la última en 1999, 'Jugar con fuego' es un título que abre el pórtico a los grandes del género, especialmente Barbieri, cuando la zarzuela aspira a competir con la ópera italiana. Y no están lejos en su partitura los ecos de Donizetti o Rossini, ni la pretensión de acercar la lirica a visiones españolas. Si musicalmente esas partituras siguen conservando la fuerza y la sugerencia, en cuanto a los libretos, como ocurre con la óperas, es necesaria la reinterpretación porque de lo contrarío apenas podrían sostenerse por su obsolescencia en las representaciones actuales.

Una efeméride poco habitual, los cien años de un cine barcelonés, que se llamó Verdi, Moratín, Trébol, para volver a recuperar su primera denominación, sala de películas mudas con piano en directo, comedor de niños y niñas en la guerra civil, salón en manos de la CNT, espacio para mítines, y en la posguerra de nuevo cine, local de baile y servicio de bodas; practica 'carne de piqueta' ante el auge de la televisión y el vídeo doméstico, que no solo se salva convertido en multipantalla tematizada, adquiere cuerpo como referente en la vida cultural barcelonesa (acoge el festival de cine de la ciudad) y en 2026 se queda con un antiguo supermercado cercano y lo amplia a dos nuevas salas.

Bajo el titulo general de 'El imaginario futuro de la soledad y la inteligencia artificial', el doctor en Psicología y prestigioso fotógrafo de creación artística propone un proyecto de largo alcance. Cuyo avance puede contemplarse en el Centro Cívico Zabalgana de Vitoria-Gasteiz hasta el próximo 29 de marzo, y que después recalará en otros espacios de distintas ciudades. ´

No es fácil llevar a escena el mundo de 'El sueño de una noche de verano' (1600) de Shakeaspeare. Incluso cuando ha sido adaptado al teatro o al cine las dificultades son enormes, no solo por los medios sino por el problema de hacer creíbles personajes humanos mimetizados con la naturaleza. Esa duda debió estar presente en los seis meses de elaboración de esta ópera a cargo de Benjamin Britten (1914-1976) que es uno de los grandes de la operística mundial al nivel de los nombres referenciales de otras épocas, y su amante-pareja y coautor del libreto, el tenor Peter Pears (1910-1986). Britten es más allá de lo musical un creador vértice de la cultura anglosajona de la época de entreguerras relacionado con nombres muy importantes de su tiempo. Inicialmente un trabajo de encargo para la reinauguración de un auditorio en Aldebourgh en 1960, que trata de adaptar fielmente los diálogos de Shakeaspeare, aunque elimina el principio de la comedia que transcurre en la Atenas clásica y empieza directamente en el bosque y sus personajes.

Este espectáculo unipersonal que todavía se puede ver en los Teatros del Canal de Madrid (y probablemente en otros locales españoles en próximas semanas) es un exponente del llamado 'teatro documental', perteneciente a un género de teatro político como el que podía hacer Bertolt Brecht que es precisamente lo más alejado del panfleto. Lautaro Delgado junto a la coautora y codirectora Sofía Brito pergeñan un testimonio muy original desde el punto de vista dramático sobre el casi medio año que Guillermo Fernández trató de sobrevivir a las torturas en una de las cárceles clandestinas del perímetro de Buenos Aires, durante los terribles días de la junta de Videla. De la que finalmente logra escapar con la ayuda de un clavo que le sirve para desactivar un candado.

A mediados del pasado año el Palau de les Arts de Valéncia estrenaba esta obra de Francisco Coll (1985), compositor residente en Suiza y considerado uno de los referentes europeos dentro del contemporáneo, en su segunda ópera, una coproducción con el Teatro Real que ahora se puede ver en cuatro representaciones en la capital de España hasta el próximo 18 de febrero. Con el mismo reparto que en la capital del Turia.

Entre las nominadas a los Goya que se deciden dentro de pocos días hay dos finalistas (y favoritas) que parten de una idea compartida sin proponerlo: la hija o el nieto que tratan de salir al encuentro del antepasado al que no han conocido. 'Flores para Antonio' que aspira al mejor largometraje documental, es un viaje de Alba Flores hacia sus propias raíces y la figura de su padre a través de un relato donde las mujeres tienen un protagonismo y en el que no se hay miedo a afrontar los aspectos más ásperos de la trayectoria.

Tres únicas representaciones en los Teatros del Canal de Madrid para Vuyani Dance Theatre un conjunto coreográfico procedente de África del Sur de la mano de su prestigioso director-creador Gregoy Maqoma. Se sirve de los ecos lejanos de un clásico en la danza y la música sinfónica para bajo el título 'Requiem of Ravel's Bolero' crear una historia musical a cargo de una decena de bailarines y bailarinas, más cuatro sorprendentes voces que además tocan ocasionalmente la percusión, poniendo 'letra' y onomatopeya a compases del 'Bolero' envuelto en unas cadencias musicales africanas.

Un pretexto dramático une a Enrique Granados y Manuel de Falla en 'La edad de plata', espectáculo producido por la Ópera de Oviedo y el Teatro Cervantes de Málaga que acoge por muy pocos días el Teatro de La Zarzuela hasta el 1 de febrero inclusive, en dos óperas, 'Goyescas' (1916) y 'El retablo de Maese Pedro' (1923): una fiesta en la residencia del pintor Ignacio Zuloaga en París donde se representan en privado, con la presencia de personajes además de los autores de figuras como Picasso, Stravinski, la Argentina (bailaora) o Paul Valery, aristócratas y figuras de la vida social al lado de artistas e intelectuales.

Imaginemos un escenario casi vacío donde en un lateral hay un teclado donde toca un pianista, Víctor Lucas, muy conocido como director musical de distintos musicales, y a lo largo de toda la acción un verdadero 'one man show' a cargo de Santiago Sánchez donde no se escucha un chiste verde, una broma escatológica o referencia alguna a la política española (aunque se cita a Trump, Gaza o Ucrania, al Mediterráneo como una gran tumba o a la DANA).

Cuando Bizet estrenó su 'Carmen' en París en 1875 el fracaso fue tan arrollador que le hundió en la frustración y el pesimismo. Poco tiempo más tarde su obra recuperada desde teatros alemanes se iba a convertir en uno de los referentes del género. Ese fracaso se puede explicar porque pese al exotismo del 'sur de los Pirineos' inventado por el romanticismo francés y Mérimée, había un personaje femenino contracorriente, en lo que en aquella época podía constituir un verdadero escándalo: una mujer con capacidad de iniciativa sexual a la que la transgresión le cuesta la muerte.

El rico y deslumbrante archivo de obras líricas españolas buena parte de ellas escondidas e ignoradas por el paso de décadas sin ser representadas tiene subgéneros como el fantástico-aventurero a la manera de Julio Verne o Emilio Salgari y el satírico. De ambos elementos participa 'El potosí submarino' estrenada en 1870 poco después del destronamiento de Isabel II y que hablaba de la ilusión de un 'pelotazo' en una corte decadente con la ilusión puesta en una explotación en el fondo del mar. Motivo central de su largo segundo acto con personajes submarinos.