¿Convivir con el miedo?, ¿reconocer el temor como uno de los motores de la vida?, ¿reírse del 'miedo al miedo' en el que se sobrevive?, ¿utilizar elementos de la cotidiano para poner en evidencia nuestra resistencia al temor?, ¿generar una dialéctica del enfrentamiento entre realidades tan complejas como la incertidumbre, la inquietud, el pánico, el miedo a la nada...? Son preguntas que se suscitan en 'Lapis Lazuli' último montaje del griego Eurpídes Laskaridis y su compañía Ósmosis, estrenado en Atenas a principios de abril y que solo durante dos fechas ha recalado en los Teatros del Canal de Madrid con llenos completos y una cálida acogida del público español a un montaje sin texto. Pero donde las onomatopeyas, los ruidos, las frases descontextualizadas en otros idiomas, los gritos, o los ruidos tienen tanto que ver como la creación escénica, la invención de ambientes teatrales, el vestuario o el increíble maquillaje de Laskaridis y todo el grupo a lo largo de una frenética y dinámica función en la que no hay pausas de intensidad.

Tantas veces se han asociado al madrileñismo estereotipado las puestas en escena de 'La verbena de La Paloma', sin ninguna duda el título más representado de la historia del género desde su estreno en el Teatro Apolo a finales del XIX hasta el día de hoy, que esta nueva producción aparece como algo renovador sin dejar de responder a sus orígenes. La composición de Tomás Bretón bebía de las corrientes musicales de su época, incluida la opereta, la habanera y la mazurka, con una aproximación hacia lo popular que en aquel tiempo se escuchaba en la calle: chotis, seguidillas, soleares...Y en cuanto a su libreto la referencia era el sainete costumbrista de la mano de Ricardo de la Vega.

Estrenada en el Teatro de la Corte de Múnich en 1868 'Los maestros cantores de Núremberg' carece tematicamente de cualquier contenido dramatizado apocalíptico. Por el contrario desarrolla una linea de cierto tono amable donde hay espacio para la ironía y una perspectiva de humor. En el que se desarrolla una historia de amor con personajes que se aman a dos bandas, pero donde su relación es amable y compasiva. Aunque en el trasfondo hay un choque entre dos concepciones que van más allá de la poesía o de la música: la conversión del canon o de la regla en una cadena inmovilista que se acaba por enfrentar a la propia vida, el conflicto entre lo nuevo y la innovación frente a la tradición de lo forzosamente repetido, la defensa del 'arte sin reglas' en contra de los intereses de lo establecido. La controversia esta presente a lo largo de la obra y el libreto acentúa ese tono con apuntes casi festivos; algo muy insólito en Wagner.

Solo tres días en cartel en los Teatros del Canal y en versión en inglés subtitulada, ha permanecido 'Las confesiones', obra de quien pasa por ser uno de los mayores talentos de la nueva dramaturgia británica y europea, Alexander Zelpin (1985). Nueve actores excepcionales sobre el escenario y utilizando la platea total de la sala para las distintas acciones, con entradas y salidas de los muchos personajes que ellos interpretan. Zeldin que fue descubierto en los últimos años por textos como 'Beyond Caring', 'Love', 'Faith, Hope and Charity', y que recientemente ha estrenado en francés, aprovechó los meses de confinamiento durante la pandemia para idear esta trama inspirada de alguna manera en la figura de su propia madre, desde su nacimiento al principio de los años 40 hasta el momento de escribir el texto. Un personaje femenino a lo largo de ocho décadas, que en la acción se desdobla en dos mujeres que son la misma, y cuyos movimientos se entrecruzan y alternan en el mismo escenario.

El 'saco común' del teatro lírico español encierra piezas de una variedad deslumbrante por encima de la consabida y conocida zarzuela costumbrista. La que en teoría puede ser considerada la obra póstuma de Pablo Sorozábal tuvo un lamentable estreno fallido en 1979 por desacuerdos con las 'altas instancias' y no pudo escucharse en versión de concierto hasta nuestro siglo. Y por vez primera en un escenario en 2016 en esta producción del Teatro de la Zarzuela; que vuelve estos días en el mismo montaje dirigido por José Carlos Plaza y bajo la batuta de Miguel Ángel Gómez-Martínez, con Jorge Torres como director de la reposición. No se trata de una zarzuela al uso sino de una ópera -solo hay un brevísimo fragmento hablado cuando un preso lee una decisiva carta a otro que es analfabeto- o como se denominó en su momento un 'drama lírico'.

Como cada año la presentación de la nueva temporada del Teatro Real es un acontecimiento cultural que permite adelantar tendencias temáticas y escénicas, más las sinergias con otros importantes coliseos mundiales para tomar nota de las coproducciones y las invitadas.

La Academia de Cine acogía esta semana la presentación del largometraje documental 'Berlanga ¡¡¡' dirigido por Rafael Maluenda, y con la presencia de históricos nombres del cine español en la pantalla y en la sala. El alicantino trabajó en los equipos de realización de las últimas películas del director de 'El verdugo' con quien llegó a tener una gran amistad a pesar de la diferencia de edad y generación. Gracias a ello ha sido posible que se le abran las puertas familiares y profesionales para conocer muchas de las claves de la carrera de Berlanga.

Solo cuatro artistas saludaron desde el escenario del Teatro Real finalizada la representación de 'La voz humana'/'La espera', con el añadido del nexo a cargo de Rossy de Palma: la propia estrella, junto a las arrebatadoras cada una en su estilo sopranos Ermonela Jaho, y Malin Byström, albanesa y sueca respectivamente, primeras voces de la lírica mundial, y el bailarín-actor español Gorka Culebras. Apareció también a saludar el director musical Jerome Rhorer. Pero la clave de esta producción inesperadamente sorprendente está en otros muchos elementos: Cristof Loy que del minimalismo escénico y la depuración de elementos hace un tesoro, con la co-decoradora junto a Loy, Guadalupe Holguera, el vestuario de Barbara Deslint, y especialmente el brillante trabajo y la sabiduría de Fabrice Kebour como responsable de la iluminación, sobre todo en la segunda de las obras en las que la luz se convierte en elemento dramático de primer nivel.

Coinciden en la cartelera madrileña dos obras del francés Florian Zeller (1979) estrella teatral en diversos escenarios internacionales, con 'El padre' (Teatro Bellas Artes) y 'La madre'.(Teatro Pavón) De la primera se pudo ver en salas de cine la película franco-británica dirigida en 2020 por el propio Zeller, con Anthony Hopkins de protagonista en la que se habla de los vacíos de la memoria y de un progenitor al borde del alzheimer. Por su parte, 'La madre' fue estrenada en otra producción en catalán, y ahora lo hace en castellano, abriendo lo que con toda probabilidad será una gira por España en próximos meses porque se trata de una producción muy agradecida para el espectador.

En 2007 Steve Jobs (1955-2011) lanzaba el iphone culminando el proceso de integración teléfono móvil + web+ archivo digital audiovisual + red social en sus más diversas formas, tras una suma de siglas como Aple, Pixar o Disney que aparecen en su biografía.

La pandemia impidió en su día el estreno de 'La pasajera' en el Teatro Real, una ópera de 1968 cuya trayectoria es toda una leyenda. En la que encontramos:

Estrenada en 1897 esta breve pieza se columpia entre la zarzuela, la opereta y la revista. Sin ninguna clase de trama utiliza personajes alegóricos para componer distintos números musicales que incluyen entre otros: vals, mazurza, zorzico, chotis,etc. entre estampas costumbristas de marcado tono regionalista (madrileño, vasco, asturiano, andaluz...) muy típico de las producciones del llamado 'género chico' de su época. Con música de Chueca y letras de los cantables de Joaquín Valverde, sobre un libreto de Ricardo de la Vega, 'El año...' ha quedado en los anales del género por varias de sus músicas, singularmente la 'Mazurca de los paraguas' cantada en miles de versiones tanto en España como en Iberoamérica.

En 2011 la británica E.L.James publicaba en Estados Unidos la primera de las entregas de '50 sombras de Grey', donde con un formato típico del 'pret a porter' en papel se toca un tema que en otra época habría sido tabú: la dominación/sumisión de la mujer como práctica sexual asumida. Recordemos los tiempos en los que el reconocimiento del orgasmo femenino era equivalente a ser identificada con una prostituta.

Las películas biográficas sobre personajes históricos o contemporáneos constituyen un subgénero temático que se desenvuelve en parámetros de cierto riesgo. En otras épocas se deslizaron en tumba abierta hacia una canonización casi religiosa bajo personajes iluminados con tendencia a proferir sentencias y 'hablar para la historia' (como en la posguerra española en títulos como 'Alba de América' de Juan de Orduña en el que un estereotipado Colón lanzaba heroicas frases para la galería, similares al amplísimo repertorio de héroes y santos que pueblan la cinematografía mundial empezando por Hollywood).

En la sección temática de librerías y grandes superficies destaca la presencia de unas pocas colecciones de libros para niños. Entre ellos las múltiples series de 'Gerónimo Stilton' ,marca tras la que está la autora italiana Lisabetta Dani, con más de cien títulos desde 2000, y hasta 300 o 400 secuelas y series con sus personajes, editados en España por Destino. La franquicia ha dado lugar a una amplia variedad de productos, entre ellos series de televisión, y en Italia al espectáculo teatral 'G.S. en el reino de la fantasía' que ahora se estrena en versión española en el Teatro de La Latina para ser representado en matinales de fines de semana.

160 minutos de duración sin descanso, media entrada en la sala más grande de los Teatros del Canal de Madrid, un diez por ciento de abandonos antes del final de un montaje escénico subtitulado en francés, esta 'Hedda' del Teatro de Lieja, la compañía Solarius y el Proyecto Próspero Extenderd Theatre de la Unión Europea, impulsado por la actriz, directora y escritora Aurore Fattier y su amplia compañía, ha sido recibido por el público de Madrid con entusiasmo al acabar las dos únicas representaciones.

Entre los títulos del repertorio básico del género de la zarzuela está la obra de Jacinto Guerrero estrenada va a hacer un siglo; alguno de cuyos fragmentos vocales han pasado al legado de pasadas generaciones, cuando 'Las segadoras' o 'Soy labrador' se cantaron popularmente en lo que como llegó a ocurrir con la ópera del XIX en Italia, trascendió desde los teatros hacia la vida cotidiana.

Durante dos fechas los Teatros del Canal de la capital de España han acogido a la compañía sudafricana de Brett Bailey con la producción 'Sansón', estrenada en aquél país en 2019; y donde se utiliza como eje conductor el relato bíblico de Sansón y Dalila para crear otra historia distinta que sucede en el siglo XXI. La base escénica de la creación es una pantalla sobre la que se proyecta de manera constante una muy conseguida animación, de una gran belleza de concepto, que genera variados ambientes escénicos; lo mismo que la iluminación que transita del verde llamativo al rojo pasando por los tonos negros que juegan gran papel. Con el concurso de un esforzado grupo de actores-cantantes-bailarines de color de edades variadas, que vienen a representar al envolvente coro y a los personajes de la historia.

Nacido en Yucatán (México) el actor-director-autor Ricardo Mena Rosado viaja ahora por el mundo con dos pasaportes: español y mexicano: sus dos identidades culturales en franja confluencia. "Siendo niño descubrí que tenía una gran afición a la literatura. Lo primero que me interesó fue escribir, luego descubrí el teatro. Mis dudas persistieron: no sabía si escribir o actuar". Pero nunca llegó a vivir en el D.F. de México para él un lugar casi de visita o de paso.

Antes de la obertura hay una acción iniciada en la platea en la que una mujer joven es perseguida y acosada por distintos enmascarados; cuando pisan el escenario arranca la orquesta. 'Rigoletto' de Verdi sobre libreto de Francesco María Piave es sin duda el título más representado del género operístico junto a 'Aída'. Por lo menos lo ha sido en el Teatro Real donde apareció por primera vez en 1853, dos años después del estreno en La Fenice de Venecia. La última que se ha visto es en 2016 en la versión teatral dirigida por el británico David Mc. Vicar que respetaba el tiempo histórico donde originalmente transcurría la historia aunque ofrecía un gran rosario de posibilidades, por ejemplo en el tratamiento realista y carnal de la famosa escena de la orgía; que en algunas versiones ha aparecido como una especie de fiesta de minué con pacatas coreografías de Coros y Danzas de la Sección Femenina.

Estrenada ayer en las salas de cine italianas, sin fecha prevista en nuestro país donde se ha podido ver de forma fugaz en el Festival de Cine Italiano de Madrid, 'Palazzina Laf' (2023) se constituye en una de las mejores películas de ese cajón de sastre que se ha llamado 'cine social', donde caben desde títulos de Ken Loach a películas neorrealistas que en el fondo eran puros melodramas, a historias en clave de una militancia o un fervor que se da de bruces con la necesidad de que los espectadores sean capaces de decidir por si mismos sin 'mensajes' predeterminados.