‘El Caballero de Olmedo’: La nueva ópera española se mira en el espejo sinfónico de Hollywood

Lluis Pasqual que ya dirigió 'El caballero...' en su versión dramática es el autor-adaptador, y director escénico. Más que el amor el punto argumental clave de esta lectura de Lope es la envidia que preside la acción y precipita la tragedia final. Se evita un falso sentido reverencial sobre el original; no es 'El caballero de Olmedo' al que se le añade música (como ha ocurrido en algún 'engendro') sino una creación nueva donde hay ecos del verso de Lope sin caer en dependencias. Nada que ver con lo que hacían años cantautores de otra época cuando ponían música a versos de clásicos sin entrar a fondo en contenidos y sonoridades.

El concepto de esta ópera parte de una acción dramática con máxima utilización de recursos teatrales sin la utillería del cartón-piedra, ni el decorado naturalista 'tradicional', tampoco el telón pintado de antaño. A la vez sin aparato tecnológico excepto el vídeo de creación más allá de lo funcional. El espacio escénico de Daniel Bianco interpreta lo que podría ser una representación de la época del Siglo de Oro en cuanto a un juego de grandes paneles que se accionan de manera manual y se utilizan tanto en su fachada como en la parte posterior, sobre los que se proyectan videodiseños del artista Franc Aleu, con una iluminación de Pascal Mérat que es otra de las claves para generar un espacio visual estilizado en el que apenas elementos naturalistas ni atrezzo, con un elegante vestuario de Franca Squarciapino que idealiza el de la época combinándolo con el negro del chandal de los danzantes-actores o el vestuario de fiesta-duelo del coro en el desenlace de la obra. Los aspectos referenciales ibéricos de la historia están tratados con el mismo nivel de estilización simbólica: el toro, los duelos...

Su armazón está basada en la relación de cercanía-amistad-envidia-odio entre los dos personajes, 'Don Alonso' y 'Don Rodrigo' que se convierten en papel para tenor y barítono, con la vital y sensible 'Doña Inés' y un conjunto de personajes de colorido: la hermana y el novio de ella, los caballeros...con un astuto tratamiento de 'Fabia', la alcahueta, que no es la convencional bruja anciana sino una elegante mujer con la doblez de una engañadora.

La producción en la que hay situaciones de acción, lucha escénica y constante movimiento requiere unas condiciones físico-vocales como las que exhibe el tenor hispano-portorriqueño Joel Prieto, una de las estrellas jóvenes del panorama lírico internacional (en el segundo reparto Juan de Dios Martos) frente al barítono/antagonista German Olvera/Ramiro Maturana, y la tierna Rocío Perez como 'Inés'. A destacar la presencia escénica de los siempre seguros Gerardo Bullón y Rubén Amoretti, a los que se ha visto en este teatro en los más variados personajes.

El coro dirigido por Antonio Fauro tiene presencia sonora pero no tanto escénica hasta la elegía final donde es clave en una bellísima y emotiva tonalidad resuelta en un climax emotivo donde vuelven a salir a la superficie las corrientes de la épica musical de Hollywood bajo una composición teatral que se columpia entre 'El entierro del Conde de Orgaz' y el desenlace de 'El hombre de La Mancha'. Esta nueva ópera española bajo la partitura del malagueño Díez Boscovich en la que se prescinde de las atonalidades de otras obras contemporáneas y se da protagonismo a la melodía y a una sonoridad sinfónica en cartel hasta el día 15 ofrece una lograda conjunción de elementos. Lo justo sería que que pudiera tener vida más allá del Teatro de La Zarzuela que la produce y se viera representada en más coliseos.