Todos los contenidos de nuestro sitio son propiedad de sus respectivos creadores intelectuales o de EL OBRERO, y por consiguiente cualquier uso de los mismos está sujeto a la aprobación previa de EL OBRERO. El extracto informativo de los contenidos de nuestro sitio está autorizado siempre que se cite la fuente de procedencia. Las opiniones vertidas por los autores y las autoras, así como la información relativa a sus perfiles, serán de su exclusiva competencia y responsabilidad. EL OBRERO no se hace responsable de lo que los autores y autoras escriban.
Pionera, libre, eterna e irrepetible, así era la cantante y artista Lola Flores según recuerdan quienes la conocieron en persona o a través de su arte. Un torbellino de colores y un icono vivo que protagoniza, 26 años después de su muerte, una serie documental que este jueves llega a…
Pionera, libre, eterna e irrepetible, así era la cantante y artista Lola Flores según recuerdan quienes la conocieron en persona o a través de su arte. Un torbellino de colores y un icono vivo que protagoniza, 26 años después de su muerte, una serie documental que este jueves llega a…
“Estoy muy emocionada, muy orgullosa e ilusionada porque la gente que no sabe de mi madre, la juventud, puede conocer lo única e irrepetible que era ella, la luz que ella tenía, la fuerza, el torbellino de colores que era”, cuenta a Efe en una entrevista la cantante Rosario Flores, unas horas antes del estreno.
“LOLA”, una producción original de Movistar+ y 100 Balas (The Mediapro Studio), son las cuatro evocadoras letras elegidas para darle título a la nueva biografía audiovisual de “La Faraona” (Jerez de la Frontera, 1923 – Madrid, 1995). Cuatro episodios en los que aparecen testimonios de lo más variopinto, que van desde artistas actuales como C. Tangana o Rosalía hasta personas que la conocieron de cerca como Encarnita Polo o Juan el Golosina.
También la familia de la artista, su hermana Carmen y sus hijas, Lolita y Rosario, quienes no dudaron un instante en participar y apoyar este proyecto dirigido por Israel Del Santo ("El Palmar de Troya", "El corazón del imperio"). “Mi madre se lo merece", cuenta rotunda Lolita Flores a Efe.
“Va a ser un descubrimiento. A Lola Flores la conocen por su arte, por su bata de cola, pero quizás se han perdido esa Lola Flores de llanto, de alegrías, de satisfacción, de orgullo, de estar por encima muchas veces del bien y del mal. Van a conocer a una persona sabia, a una persona adelantada a su tiempo, que estaba con el progreso y que tenía una mente muy abierta para casi todo”, apunta la cantante y actriz.
Ella, agrega Lolita, era “una maga que venía de otro planeta”, alguien que “no va a morir nunca, va a ser para toda la vida porque su arte y su inspiración va a llenar a muchas generaciones por muchísimo tiempo”, añade por su parte Rosario.
“LOLA” arranca con la infancia de Lola Flores en una familia humilde formada por una madre que cosía trajes de flamenca y el dueño de una taberna en Jerez de la Frontera, donde dio sus primeros pasos en el mundo del espectáculo, bailando desde niña entre mesa y mesa, pasando poco por la escuela.
Siempre supo que quería ser artista, inspirada por dos de sus grandes maestras, Imperio Argentina y Pastora Imperio, y pronto despuntó en su tierra con el nombre de Lolita Flores Imperio de Jerez, un modesto éxito que la impulsó a hacer la maleta y marcharse con toda su familia a probar suerte en Madrid.
“Para poder entender a la Lola de los noventa del “si me queréis irse” hay que entender de dónde venía”, explica a Efe el director Israel del Santo. Saber que en el Madrid de la posguerra y las cartillas de racionamiento -donde llegó con sus padres y sus dos hermanos, casi con una mano del ante y otra detrás, como cuenta el documental- llegó a tener que pedir dinero con su madre por las calles.
Saber cómo pasó penurias en camerinos llenos de ratas en su primera gira por los cafés del norte y, como ella contó sin pudor alguno, tuvo que “vender su honra” a un hombre adinerado para poder sobrevivir y producir su primer espectáculo.
Conocer la historia de cómo sufrió malos tratos de su primer gran amor, el cantaor Manolo Caracol, y de las decenas de amantes que tuvo -futbolistas, toreros y artistas en su mayoría-, hasta que se casó con Antonio González "El Pescadilla".
“El viaje que he hecho durante este año de investigación de trabajar en la vida de Lola es el que me gustaría que hiciera el espectador”, cuenta Del Santo.
Un viaje en el que se ha encontrado a "una mujer tremendamente transgresora, muy provocadora”, capaz de “soportar cinco décadas en primera línea”, con “una actitud vital que me recuerda mucho a la de una estrella del rock”.
“Todos los de ahora tienen muchas cosas de aprender de Lola Flores. Estamos en una época en la que todos nos la cogemos con papel de fumar cuando nos ponen una cámara y un micrófono delante y ella, si te pones a ver cuatro o cinco vídeos, vas a ver que ese filtro no lo tenía y que tampoco le era necesario, que le sacaba mucho partido a no tenerlo”, agrega el cineasta.
Lo que más va a sorprender del documental, añade, es "la parte de la leyenda", esa gracia que tenía para adornarlo todo -según algunos- o para "construir una realidad paralela"- apuntan otros. "Saber qué parte es leyenda, qué parte es verdad, qué parte es mentira, si es que llegamos a resolverlo".
Roberto Jiménez En singular, el Balcán es la cordillera que nace en Serbia y se despeña en el Mar Negro, y en plural remite a la última gran guerra librada en Europa (1991-2001) con heridas aún sin cicatrizar como esgrime "Hive", la película que representará a Kosovo en los Óscar,…
Roberto Jiménez En singular, el Balcán es la cordillera que nace en Serbia y se despeña en el Mar Negro, y en plural remite a la última gran guerra librada en Europa (1991-2001) con heridas aún sin cicatrizar como esgrime "Hive", la película que representará a Kosovo en los Óscar,…
Apenas 1,8 millones de habitantes en 11.000 kilómetros cuadrados, la mitad de la provincia de Badajoz, suma Kosovo, una de las regiones de la antigua Yugoslavia más devastadas durante la Guerra de los Balcanes, con miles de personas asesinadas o desaparecidas cuyas familias aún reclaman apoyo para su búsqueda y justicia por dignidad.
En este contexto ha situado "Hive", su ópera prima, la realizadora y guionista kosovar Blerta Basholli, elegida para representar en los Óscar a Kosovo, declarado independiente de forma unilateral en 2008 y que desde entonces lucha por su reconocimiento pleno como país por parte de la comunidad internacional.
La nominación a los Óscar "ha tenido una repercusión muy positiva porque ha estado en muchos festivales y lo percibo como una recompensa por nuestro trabajo", ha apuntado Basholli durante una rueda de prensa celebrada al término de la proyección, a concurso, dentro de la sección oficial del festival de Valladolid.
"Hive" está basada en hechos reales: es la historia de una viuda kosovar que al mismo tiempo que lucha por descubrir los restos de su esposo, convencida de su asesinato en la guerra, desafía tabúes como el papel secundario de la mujer en sociedades de reminiscencia islámica y pasado ancestral, al fundar una cooperativa alimenticia.
La comercialización de miel y de una salsa muy popular en su país, derivó en un cooperativismo femenino y en una empresa que emplea a más de medio centenar de mujeres, con exportaciones incluso a Estados Unidos, gracias al arrojo y valentía de Fahrije, el nombre real de la viuda a la que visitaron para ambientar el largometraje.
"No era otra película más para mí sino que era mi deber transmitir la historia y la figura de esa mujer fuerte", ha añadido Basholli acerca de un proyecto que ha visto la luz después de ocho años con la colaboración de Yllka Gashi, la actriz que interpreta a Fahrije.
Como artistas, pero también como mujeres, "fue una inspiración para nosotras por su figura, por su carácter... nos llegó mucho al corazón y en este sentido ha resultado un proyecto muy difícil", ha matizado la actriz protagonista.
Cicatrices pero en las piedras son en cierto modo los petroglifos, esos dibujos rupestres de hace miles de años que busca en el Océano Ártico la protagonista de "Compartment Nº 6", último trabajo del realizador finlandés Juho Kuosmanen, que también ha competido en esta 66ª Semana Internacional de Cine de Valladolid (Seminci).
Es la adaptación de una novela de la escritora finlandesa Rosa Liksom, un largo viaje en tren entre Moscú y la costa rusa en Murmansk que reúne en un mismo compartimento a dos personas de muy diferente condición y extracción social, condenadas a entenderse a través de reflejos y mecanismos afectivos a veces desconocidos para uno mismo.
"La experiencia ha sido también en sí misma un viaje. Ha sido complicado rodar en espacios tan estrechos la mayor parte de las escenas. Ha habido complicaciones meteorológicas, ha sido una aventura pero el cine es eso", ha declarado el director a través de una videoconferencia.
Kuosmanen se ha referido al nivel de aislamiento que las nuevas tecnologías han inoculado a la sociedad, capaces de acortar distancias pero también de laminar "ese tipo de encuentros con extraños que ofrece la película" de forma súbita, reales y forzados por las circunstancias.
"La historia no podría ser la misma en el momento actual, tiene esa evocación, el recuerdo de hace dos décadas", ha abundado el realizador finlandés sobre un filme rodado mayoritariamente en el interior de un tren.
La tercera película en competición proyectada este miércoles ha sido "I'm your man", de la alemana Mari Schrader, un divertido pero también reflexivo experimento sobre los límites de la inteligencia artificial y su relación con el hombre.
Así sucede con Alma, una arqueóloga que accede a experimentar para una empresa los resultados de una experiencia de tres semanas de convivencia junto a un robot de apariencia externa completamente humana, programado para hacer feliz a su pareja.
Cualquier persona que proceda del área de Ferrol sabe que Cedeira (A Coruña), 6.600 habitantes según su último padrón, llega a triplicar su población durante el período veraniego. Sin embargo, está en las Rías Altas, lo que le endosa la acertada etiqueta de turismo más tranquilo y esencialmente familiar.
Cualquier persona que proceda del área de Ferrol sabe que Cedeira (A Coruña), 6.600 habitantes según su último padrón, llega a triplicar su población durante el período veraniego. Sin embargo, está en las Rías Altas, lo que le endosa la acertada etiqueta de turismo más tranquilo y esencialmente familiar.
Puede que exponer sus abundantes tesoros naturales a medio mundo la dispare a objeto de deseo y el rodaje de "Rapa" está llamado a ser el gran responsable. Es la nueva producción de Movistar+ y Portocabo, aliadas para unas grabaciones iniciadas al finalizar la temporada estival en la ciudad ferrolana, a la que volverán en su desenlace, previsto para antes de Navidad.
A la villa cedeiresa hay que llegar, una carretera con curvas muere allí tras partir desde la cabecera comarcal. Y los responsables de "Hierro", de la que sigue la estela en buena parte de sus detalles distintivos, se empaparon de sus singularidades y tradiciones para que la serie beba de su entorno.
Alfonso Blanco, 'Fosco', de la productora gallega, guía por el casco viejo y la zona más nueva de Cedeira. Hay un colegio reconvertido en centro de salud en el que algunos vecinos ya han visto por las ventanas cómo se grababa una pelea, pero el argumento y las escenas se guardan con mimo, poco se sabe.
Y también están las tiendas históricas, con sus coquetos escaparates y su atención del día a día al cliente que es más que un vecino. La antigua Casa del Pueblo del PSOE hará las veces de corresponsalía de un periódico, la que fue casa consistorial y ahora es biblioteca municipal vuelve a ser sede del Ayuntamiento con un cartel de Concello de Cedeira.
Entre sus callejuelas, el relato de una "Rapa" que tiene en Javier Cámara y Mónica López a sus protagonistas, pero cuyo elenco es muestra abrumadora de la rica escena gallega actual. Por rendir homenaje al título de la obra, la Rapa das Bestas ha sido uno de los hitos del rodaje.
En plena sierra de A Capelada, alejados de cualquier vivienda, el curro recibe a los "besteiros" y a los caballos recogidos días atrás en los montes.
Como si fuese el día grande de esta fiesta, que habitualmente se lleva a cabo en junio. Jorge Vellón, uno de los que mantiene viva esta práctica, recuerda que consiste en "cortar las crines y el rabo para que se libren de posibles enfermedades, para que estén más libres en verano por calor, moscas o zarzas".
"Es un hobby o lo llevas dentro", apunta, y esta vez han logrado congregar a unas 130 reses "aunque no es época". Medio natural en su máxima expresión de lo salvaje, un espectáculo al que asisten Cámara y López con pasión a la enésima potencia.
No es fácil traer a los animales, "es demasiada extensión, es imposible traerlas todas", pero un nutrido grupo desemboca en un descampado al que varios autobuses van subiendo a cuatro centenares de figurantes. Es uno de los días de más revuelo.
La aportación económica a ese personal extra o los gastos por alojamiento o comidas alimentan estos días a Cedeira. Serán seis episodios de puro suspense que tienen su punto de partida en un crimen y en la búsqueda del asesino de Amparo Seoane, la alcaldesa.
Tomás, al que encarna Cámara y que es un profesor, se cruzará en el camino de Maite, agente de la Guardia Civil a la que da vida López. Su director, Jorge Coira, asegura a Efe que se da continuidad a "Hierro" con unos emplazamientos que ni siquiera son "demasiado conocidos en Galicia".
"Para la ambientación no hubo que hacer esfuerzos de documentación; teníamos identificados los elementos que queríamos llevar a la historia", asegura. Ya conocía parcialmente la rapa y le entusiasmó "hablar con la gente, conocer las raíces".
"Es algo que disfruto mucho, entrar en otros mundos, una vida muy diferente a la tuya", apunta. Para este gallego, cuando atracó el equipo fue inevitable pensar que "no saben la que se les viene encima, va a venir el rock and roll".
No en vano, considera que Cedeira "es un lugar con mucha vida en verano, pero en invierno se convierte en muy tranquilo; se acabó el verano y vinimos, somos una invasión".
Otro Coira, Pepe, guionista en "Rapa", remarca que con "Hierro" subió la "actividad económica durante el año en un 20 %" en la isla canaria, un "grado de optimismo" que en Ferrolterra no dudan de que llegará.
Treinta años después de "Thelma y Louise" (1991), película pionera contra la cultura de la violación, Ridley Scott vuelve a abordar el tema en "El último duelo", una historia ambientada en la Francia del siglo XIV acerca de una mujer violada que se atreve a denunciarlo y que llega este…
Treinta años después de "Thelma y Louise" (1991), película pionera contra la cultura de la violación, Ridley Scott vuelve a abordar el tema en "El último duelo", una historia ambientada en la Francia del siglo XIV acerca de una mujer violada que se atreve a denunciarlo y que llega este…
El guion, basado en un ensayo homónimo de Eric Jagger publicado en 2004, es obra de Ben Affleck y Matt Damon, quienes no habían vuelto a escribir juntos desde "Good Will Hunting" ("El indomable Will Hunting", 1997), ganadora del Óscar al mejor guion original. Esta vez han contado con la colaboración de una tercera escritora, Nicole Holfocener.
"Para ser honesto, más que el tema fue la manera en que Matt, Ben y Nicole lo pusieron sobre el papel lo que me impelió a hacerlo", dijo Scott a Efe durante el pasado Festival de Venecia, donde el filme se proyectó en la última jornada, fuera de competición.
Scott, uno de los directores más populares e icónicos de las últimas décadas gracias a películas como "Gladiator" (2000), "Alien, el octavo pasajero" (1979) o "Blade runner" (1982), asegura que sintonizó rápidamente con esta historia épica que entrelaza temas como la valentía y la traición.
Pero lo que más le estimuló fue la estructura, contada sucesivamente desde tres puntos de vista diferentes. Jodie Comer es Marguerite de Carrouges, una mujer noble que decide testificar en contra del mejor amigo (Adam Driver) de su marido (Matt Damon) a causa de una violación, lo que llevará a que el destino de los tres se decida en un duelo a muerte. Fue el último juicio por combate celebrado en París, en 1386.
Jean de Carrouges (Damon) es un caballero experimentado y de una familia respetada que lucha por el poder y la posición; Jacques Le Gris (Driver), favorito de la corte acusado del delito y Marguerite de Carrouges (Comer), una heroína adelantada a su tiempo.
"Lo más importante, la verdad, es el punto de vista de Marguerite, luego está su marido que cree que ella le ha engañado y el personaje de Driver, que está convencido de que Marguerite debe plegarse a sus deseos porque así son las cosas y porque todas las mujeres sucumben a su encanto", describe Scott.
Ben Affleck explica que abordaron la escritura partiendo del hecho que existe una verdad independientemente del punto de vista. "Lo interesante es plantearse por qué uno ve las cosas de una manera determinada, y suele ser algo para tu propio beneficio, alimentado por tus experiencias, proyecciones, vivencias y cultura", reflexiona.
"La película no defiende que la verdad sea subjetiva, sino cómo es posible que la gente se convenza a sí misma de algo hasta el punto de creerse una realidad que tiene más que ver con ellos mismos y sus necesidades", puntualiza el actor, guionista y productor.
Los paralelismos entre esta historia y los casos destapados recientemente en Hollywood en la ola del #Metoo son tan evidentes que sus autores se resisten a comentarlos.
"La desigualdad en el trato a la mujer en Hollywood es un tema que se ha destapado en los últimos años, pero este es un libro que habla del siglo XIV en Francia, es sencillamente una gran historia sobre una persona que se ve obligada a tomar decisiones difíciles", dice Affleck.
"Son ese tipo de momentos cruciales que definen a una persona lo que constituye la base de una buena narración y hace que todos nos preguntemos hasta dónde estaríamos dispuestos a llegar para defender nuestra integridad, nuestros valores... yo me identifico mucho con eso, no me pongo a pensar si es una historia relacionada con el presente, no creo que eso funcione así".
Para Jodie Comer, popular por la serie "Killing Eve" (2018-2022), "la valentía y el coraje" de Marguerite de Carrouges son admirables, aunque matiza que hay una parte de sus decisiones que toma desde cierta inconsciencia.
"Solo al final se da cuenta plenamente de las consecuencias de sus decisiones y se pregunta a sí misma qué habría hecho de haberlo sabido, si quizá hubiera callado como tantas mujeres antes", advierte.
El actor Malcolm McDowell lleva 50 de sus 78 años marcado por haber protagonizado "La naranja mecánica", la mítica película de Stanley Kubrick, un papel que le dio fama y hacia el que tiene sentimientos ambivalentes: por un lado le hace sentir "extremadamente orgulloso" y por otro confiesa en una…
El actor Malcolm McDowell lleva 50 de sus 78 años marcado por haber protagonizado "La naranja mecánica", la mítica película de Stanley Kubrick, un papel que le dio fama y hacia el que tiene sentimientos ambivalentes: por un lado le hace sentir "extremadamente orgulloso" y por otro confiesa en una…
El intérprete británico se ha sentido sin embargo atraído hacia la visión histórica y contextual que ofrece el documental "La naranja prohibida", de Pedro González Bermúdez, en la que su voz en off relata cómo fue el estreno de la cinta en España: rodeado de polémica y dificultades, en la Seminci de Valladolid hace 46 años, cuatro años después que en otros países del mundo (1971) y en vísperas de la muerte de Franco.
El actor se encuentra en España promocionando esta cinta.
PREGUNTA: Usted fue la primera y única opción de Stanley Kubrick para "La naranja mecánica" ¿sabe por qué?
RESPUESTA: Me vio en la película "If...." (1968) y le gustó mucho lo que vio, no sé si fue mi actitud punk. Cuando le pregunté que por qué me eligió, lo pensó y me dijo: "porque tú puedes ofrecer inteligencia en la pantalla". Y yo le respondí "¿eso no lo hacen muchos actores?" y me dijo "no".
P: Según cuenta no le dio particulares instrucciones para preparar el personaje más allá de que el público debería conseguir empatizar con un violador y asesino. ¿Cómo lo hizo usted?
R: Realmente no lo sé. Un gran amigo director, Lindsay Anderson, me dijo que había una escena en "If....", cuando abro la puerta y sé que unos hombres me van a pegar una paliza, en la que les miro y sonrío. Y me dijo: "así es como actúas". Fue una dirección brillante, porque es solo una manera de mirar. Luego se me olvidó años y después me di cuenta de que era él quien me había dado esa dirección correcta desde el primer día.
P: ¿Le marcó personalmente el personaje de Alex DeLarge?
R: No. Como actor usas lo máximo de tu persona que puedes, porque la película penetra en tu alma a través de los ojos, así que siempre tienes que estar diciendo la verdad. Si puedes usar una verdad propia que tú tienes y adaptarla, es una especie de atajo. Pero no hay que repetir eso, debes tener cuidado.
P: ¿Qué piensa el actual Malcolm McDowell de "La naranja mecánica", ha cambiado la percepción con los años?
R: Cuando la hice era joven y por supuesto me sentía indestructible, sin miedo. Simplemente haces las cosas, no piensas sobre ello. Y luego la gente dice "dios mío, esto es brillante", pero es que no hay otra opción, no es que hayas hecho algo increíble, es que eres joven y seguro de ti mismo. Creo que ahora la audiencia responde más al contenido político de la película, el Gobierno como gran hermano, controlando a sus ciudadanos, con esas terapias terribles. La han experimentado en algunas cárceles americanas en los 50, aunque creo que no tuvo mucho éxito, de otro modo la seguirían usando.
P: ¿Cree que la película ha envejecido bien? R: Para ser sincero hace mucho que no la veo y no pienso verla. Pero tengo la sensación de que ha envejecido extremadamente bien, porque era bastante futurista. P:¿Por qué no la quiere volver a ver?
R: Porque estoy harto de ella. Llevo con ella 50 años, le he hecho mi homenaje, he dado las gracias, es suficiente ya. Hay que seguir. Por un lado estoy extremadamente orgulloso. Sé que cuando llegue el momento de hacer mi obituario todo tendrá que ver con esa maldita película. Pero fue emocionante hacerla, trabajar con Kubrick, para un joven actor tener acceso a ese "niño maravilla" que él era. Fue un niño prodigio, un gran maestro del ajedrez. Nunca quise jugar al ajedrez con él, aunque sí al pingpong: le machacaba, y me encantaba.
P:¿Cuál es su película favorita de Kubrick?
R: Por supuesto si me pregunta cuál es mi película favorita de Kubrick, sería idiota si dijera "2001. Una odisea del espacio". Pero adoro "2001". Adoro "Teléfono rojo, volamos hacia Moscú". Y con los años aprecié de verdad "Lolita". Puedo admirar partes de "El resplandor" y la primera mitad de "La chaqueta metálica", que es brillante, muestra genuina del genio de Kubrick, aunque la segunda es una película convencional de guerra.
Estar muerto o ser de fuera, preferiblemente "de un barrio de Hollywood", es el secreto para tener "mucho éxito" en el cine nacional o al menos era así hasta ahora, ya que el sector "está viviendo una auténtica revolución", según el realizador español Álex de la Iglesia.
Estar muerto o ser de fuera, preferiblemente "de un barrio de Hollywood", es el secreto para tener "mucho éxito" en el cine nacional o al menos era así hasta ahora, ya que el sector "está viviendo una auténtica revolución", según el realizador español Álex de la Iglesia.
"Hay auténtica sed de contenidos, esto es como un volcán que no cesa", ha asegurado el realizador en una clase magistral ofrecida este martes en la Semana Internacional de Cine de Valladolid (Seminci), en la que ha asegurado que el sector audiovisual actual vive "uno de los momentos más apasionantes de su historia".
Algo que se ha visto amplificado en los últimos tiempos por la pandemia, donde se ha comprobado que la gente está "necesitada de ficción y evasión", por lo que las series se han revelado con un "gran formato".
En este punto, ha avanzado que en febrero de 2022 se producirá el estreno de la segunda temporada de '30 monedas', la serie de De la Iglesia para HBO.
Para el cineasta, el modelo audiovisual español, con cientos de nuevas cintas en la gran pantalla y con exitosas historias llevadas a las nuevas plataformas de consumo, es el "más exitoso de Europa en estos momentos y uno de los más reconocidos del mundo".
Sin embargo, aún existen en el mundo del cine demasiado "pensamiento 'viejuno'", que vive en una "ensoñación nostálgica" basada en la "falsa creencia" de que los nuevos modelos de consumo audiovisual van a acabar con los cines: "Nada más lejos de la realidad", según De la Iglesia.
"Nunca ha habido más diversidad que ahora, más democracia en el consumo ni más calidad en las citas", ha reflexionado el director de más de una veintena de filmes, que ha instado a las salas a "modernizarse" y "sacar a la gente de sus casas y de sus salones con 4K y audio Atmos".
Ante esta "revolución" del consumo audiovisual se puede reaccionar de dos maneras, según el cineasta, una con "temor y sobrecogimiento", u otra consistente en tomárselo como "un desafío" y ver en ello "las posibilidades de cambio".
"Como productor, estamos viviendo las mejores oportunidades para contar historias desde todos los puntos de vista y, lo mejor, es que todos nos hemos puesto las pilas unos a otros", ha reconocido De la Iglesia, quien ha contado cómo hace unos años se consideraba un éxito que un millón de personas vieran unas serie española y ahora pueden tener centenares de millones de posibles consumidores, algo "increíble" que "nadie puede denostar".
EL SECRETO DEL CINE Y DE LA VIDA: "ESCUCHAR MUCHO Y HACER POCO CASO"
Con muchos estudiantes presentes en la clase magistral, De la Iglesia ha lanzado una reflexión aplicable tanto al mundo del cine como a la vida: "Escuchar mucho y hacer poco caso". "Hay que ser beligerante con todo, si tenéis una idea no dejéis que nadie os coma la cabeza".
"Con el tiempo todo se convierte en un clásico, pero antes hay que apostar por la idea y que nadie te la saque de la cabeza", ha insistido De la Iglesia, quien ha confesado que le produce "arcadas" cómo alguien se atreve a "menospreciar artes tan importantes como el cómic".
Precisamente, de las viñetas de Flash Gordon De la Iglesia aprendió el amor, o la felicidad, que descubrió en los cómics de Astérix, que le hicieron ver cómo tras un "infierno de día, cuando toda la mierda acabara, había una comilona de jabalíes".
"Para mi es más importante en mi vida el capitán Haddock que mi portero", ha apostillado.
El Festival de Jóvenes Realizadores de Granada ha concedido el premio Val del Omar a la mejor película a "Alma anciana", la ópera prima de Álvaro Gurrea, un filme con sello granadino rodado en Indonesia que ha sido la gran triunfadora de esta cita cinematográfica.
El Festival de Jóvenes Realizadores de Granada ha concedido el premio Val del Omar a la mejor película a "Alma anciana", la ópera prima de Álvaro Gurrea, un filme con sello granadino rodado en Indonesia que ha sido la gran triunfadora de esta cita cinematográfica.
El Festival, que en su 27 edición ha unido cine y música, ha cerrado su programa de 2021 con un palmarés que combina el acento granadino y el internacional y que ha apostado por la diversidad.
El Premio Val del Omar a la mejor película ha reconocido este año la calidad de "Alma anciana" (Mbah Jhiwo), la ópera prima del cineasta barcelonés Álvaro Gurrea.
Rodada en la isla de Java, esta etnoficción cuestiona el mito del progreso alrededor de la influencia del animismo, el islam y el capitalismo en la región indonesa.
La película ganadora del Val del Omar llega a Granada tras un estreno mundial en la pasada Berlinale y con el sello granadino de la cineasta Rocío Mesa, encargada de su producción.
El jurado de la Competición Internacional, compuesto por el director del Festival de San Sebastián, José Luis Rebordinos; la cantante y compositora granadina Soleá Morente, y el periodista cinematográfico Javier Tolentino, que recibió el Premio de Honor en la inauguración, acordó además conceder una mención especial a "Next Picture".
Este cortometraje presenta un retrato provocador e incisivo sobre el auge de la comunidad "queer" en Manila y la decadencia de la exhibición cinematográfica que firma el realizador filipino Cris Bringas.
El Premio del Público ha sido esta edición para el cortometraje "Va dando el tiempo", de Celia Giraldo, mientras el Premio de la Juventud fue para "Los ojos de Érebo", un cortometraje dirigido por Javier Barbero.
Por primera vez en el festival, la Asociación de Mujeres de los Medios Audiovisuales de Andalucía entregó el Premio AAMMA a la perspectiva de género, con el objetivo de ampliar miradas y apoyar a las jóvenes realizadoras.
Este primer reconocimiento ha sido para la granadina Carmen Tortosa, codirectora de "Mujer como árbol", un filme colectivo rodado en el contexto de un taller coordinado por el cineasta portugués Pedro Costa.
La 27 edición del Festival Jóvenes Realizadores ha sido organizada por el Ayuntamiento de Granada, la Diputación y Fundación AguaGranada, y suma la colaboración de diferentes entidades y empresas.
El amor de un joven indio que pisa por primera vez una sala de cine y que le hace buscar todas las respuestas del séptimo arte ha inaugurado este pasado domingo la segunda jornada de la 66ª Seminci, en la que también se ha tratado el peso de la culpa…
El amor de un joven indio que pisa por primera vez una sala de cine y que le hace buscar todas las respuestas del séptimo arte ha inaugurado este pasado domingo la segunda jornada de la 66ª Seminci, en la que también se ha tratado el peso de la culpa…
"Last Film Show", película que ha abierto las proyecciones, es un homenaje al cine que parte de la propia historia de su director, el indio Pan Nalin, quien en la cinta relata la historia de un niño que se enamora de la gran pantalla y, pese a la prohibición de su padre, busca responder todas sus preguntas sobre el séptimo arte.
"Está inspirada en mi propia infancia. Pude ver una película a los 9 años y me fascinó, me hipnotizó", ha confesado Nalin en rueda de prensa posterior al pase de la cinta, al tiempo que ha recordado la nostalgia de las salas de cine únicas, como la que se muestra en el filme.
Como Nalin, el protagonista de esta historia, Samay (Bhavin Rabari), descubre el cine y siente la necesidad de conocerlo todo sobre la luz para pasar de espectador a creador de las historias que ve en la sala. Para conseguir un actor que encajase en el papel de Samay el proceso de casting fue laborioso con más de 3.000 entrevistas, hasta que finalmente acudieron a "las partes remotas de la India, donde los niños no habían visto nunca una película", y encontraron a Rabari.
Nalin, director que ya con su primer largometraje "Samsara" ganó más de treinta premios en festivales, hace referencia en su última obra a los directores que le han marcado, como Andréi Tarkovsky, David Lean o Stanley Kubrick.
La segunda cinta proyectada este domingo ha sido la norteamericana "The card counter", dirigida por el director y guionista Paul Schrader, reconocido por escribir obras de Martin Scorsese como "Taxi Driver", "Toro Salvaje" o "La última tentación de Cristo".
La película es un reflejo de la culpa que encarna su protagonista William Tell (Óscar Isaac), un jugador de cartas al que le persiguen los remordimientos de su vida pasada, cuando era interrogador del ejército.
La obra de Schrader, quien ya ha sido reconocido en Valladolid tras ganar premios en varias ediciones y alzar la Espiga de Honor en 2013, muestra la carga moral de un soldado que fue torturador en Irak, lo que le lleva a pasar por prisión y finalmente a dar un vuelco a su vida como jugador viajando por casinos y salones de juego.
En su nueva vida conoce al hijo de un antiguo compañero, lo que le lleva a rememorar tiempos pasados y a reflexionar sobre la culpa y la redención.
La tiranía de las apariencias y la dictadura de la imagen, potenciada desde las redes sociales, no entiende ya de esferas ni de territorios como ha demostrado el iraní Asghar Farhadi con "A hero", la última película de este realizador que en 2011 logró un Óscar con "Nader y Simin, una separación".
Un laberinto de resonancias kafkianas experimenta el protagonista de "A hero", un preso común por el impago de una deuda que se ve envuelto en un carrusel de desdichas pese a su buena intención de satisfacer su deuda y de incorporarse a la vida normal, zarandeado hasta el punto de optar por cumplir el resto de su condena.
El personaje "es alguien que realmente está en nuestra piel: puede pasarnos a todos nosotros en la vida", ha explicado Farhadi durante una rueda de prensa, quien ha defendido la buena voluntad, el "corazón y la conciencia" de su protagonista que, pese a su interés, no puede prosperar en sus buenas intenciones debido, entre otras razones, a la hipocresía moral de las administraciones.
Fuera de concurso, la española Helena de Llanos ha presentado el estreno de "Viaje a alguna parte", un recuerdo a la memoria y legado de su abuelo Fernando Fernán Gómez, de quien este año se cumple el centenario de su nacimiento, a partir de los papeles que se encontró en la casa del actor y director, punto de partida de un filme que conjuga el documental y la ficción.
El coronavirus ha sorprendido a la sociedad más desarrollada de todos los tiempos, desprevenida ante una emergencia que ha golpeado especialmente a los ancianos y de una forma despiadada en las residencias como relata Belén Verdugo en su documental "La muerte más cruel", estrenada en el festival de cine de…
El coronavirus ha sorprendido a la sociedad más desarrollada de todos los tiempos, desprevenida ante una emergencia que ha golpeado especialmente a los ancianos y de una forma despiadada en las residencias como relata Belén Verdugo en su documental "La muerte más cruel", estrenada en el festival de cine de…
"Cuenta el abandono de los mayores en las residencias y lo mal que lo han pasado los trabajadores. A los ancianos no les dejaban salir a los hospitales donde priorizaban la atención a los más jóvenes", ha explicado la realizadora en una entrevista con la Agencia Efe sobre un documental que "es una denuncia pero no una acusación".
Más de 30.000 ancianos fallecieron en España entre marzo y junio de 2020 por contagio sin poder salir de sus residencias para ser hospitalizados, atendidos en sus habitaciones sin medios materiales y de protección por parte de los trabajadores, tres meses durante los cuales ni siquiera pudieron despedirse de sus seres más queridos.
"En realidad nadie ha tenido la culpa. No hemos sabido coger algo que no ha pasado sólo en España sino en el mundo, pero es una denuncia sobre el abandono de quienes levantaron el país después de la Guerra Civil", ha analizado verdugo (Madrid, 1974), autora de una filmografía de marcado acento social que abrió con el cortometraje "Mágica" (2001).
Si en ese cortometraje abordó la violencia machista desde la mirada de un niño, en "No sin ti" se puso en la piel de los 'sintecho', mientras que en "Lagun y el coraje frente a ETA" (2019) situó el foco en las víctimas de la banda asesina y de quienes lucharon en silencio contra el terrorismo.
"Vengo de una familia muy humilde. A los veinte años me quedé sin padres y me tuve que buscar la vida, por eso siempre he tenido la referencia de ayudar a quien lo necesita. Al final, te das cuenta de que en esta vida nos tenemos que ayudar unos a otros.
Todos somos uno y los que tenemos la oportunidad debemos hacerlo", ha argumentado. Y eso es lo que ha hecho la realizadora madrileña, con formación audiovisual y de arte dramático en la escuela de Cristina Rota, a través de la cámara, "la única manera que sé de hacerlo, estar con la gente de la calle porque tenemos que concienciarnos de que no todo el mundo tiene la suerte de vivir bien", ha apostillado.
"La muerte más cruel" recoge los testimonios de directores de funerarias, sacerdotes de pequeños pueblos, de familiares "que no pudieron despedirse y de dolor que eso supuso", de mayores que se han salvado y veían cómo se morían sus compañeros", ha explicado esta realizadora que también dirigió para Netflix la serie "Camarón Revolution" (2017), sobre el genial cantaor flamenco.
Han sido ocho meses de grabaciones en Cataluña, Galicia, Madrid, Murcia y País Vasco "que tuvimos que montar muy deprisa para proyectar cuanto antes", dentro de un documental al que próximamente seguirá un nuevo trabajo, centrado en la soledad de los mayores pero en clave de comedia, en el territorio de la ficción, que ya exploró en 2018 con el documental "Un lugar para ser feliz".
Todo lo que ha ocurrido con el coronavirus, el drama y latragedia, "no fue cuestión de un país sino de una pandemia que no supimos gestionar en ese momento porque nunca se había vivido algo así".
"Ha sido la primera vez en el mundo, al menos en esta época", ha insistido antes de referirse a "La muerte más cruel", que estrenará en la sección Doc España del festival de cine de Valladolid, como un documental "muy emotivo" donde el espectador "va a alucinar con muchas cosas que no han salido a la luz".
La actriz estadounidense Angelina Jolie apoyó hoy a "los sindicatos y a quienes trabajan muy duro para tener condiciones justas" en Hollywood, en la presentación de la película "Eternals" en la Fiesta del Cine de Roma.
La actriz estadounidense Angelina Jolie apoyó hoy a "los sindicatos y a quienes trabajan muy duro para tener condiciones justas" en Hollywood, en la presentación de la película "Eternals" en la Fiesta del Cine de Roma.
"Es muy importante apoyar a los sindicatos y a los que trabajan muy duro para tener condiciones justas, igualitarias", declaró en la rueda de prensa de la nueva película de Marvel, dirigida por la oscarizada Chloé Zhao y que clausuró el festival romano.
Jolie apuntó que, pese a no estar "personalmente implicada", quienes conocen el sector "están tratando de encontrar una solución justa" y deseó que lo consigan.
La semana pasada Hollywood evitó la parálisis después llegar a un acuerdo con el sindicato IATSE, que agrupa a técnicos audiovisuales, que denunciaban las condiciones del sector.
La mayoría de sus miembros encadena contratos temporales con los estudios, generalmente ligados a un proyecto concreto, y las condiciones se fijan según las directrices acordadas entre el sindicato y la AMPTP, la patronal que engloba a los estudios de cine y gigantes televisivos como Disney, Warner Bros. o Netflix.
Por otro lado, Jolie se mostró "privilegiada" por participar en la 25ª película del universo Marvel, ya que comparte los valores de "diversidad" e "inclusión" de los "Eternals", una raza de superhéroes inmortales que intenta liberar a la humanidad del mal de los Deviants.
"Me gusta la historia particular, pero sobre todo amo la diversidad y la inclusión de este reparto y de esta familia", sostuvo la actriz, en referencia a las múltiples procedencias de sus compañeros, a la paridad de género y a la visibilización del colectivo LGTBI, con el primer superhéroe de Marvel gay, o de la salud mental. Y añadió que está "deseando" que algunos espectadores "se reconozcan como no lo habían hecho nunca".
Precisamente a través de su personaje, la poderosa guerrera Thena, Jolie espera ayudar "sobre todo a los jóvenes" a comprender que quienes sufren "problemas con la salud mental son también capaces de ser extremadamente poderosos y fuertes".
"Todos hemos sufrido. Yo soy muy afortunada por muchas cosas en mi vida, pero también cargo con daños", que plasmó en su papel gracias a largas conversaciones con Zhao, a quien alabó su manera de trabajar.
Para Jolie, embajadora de la Agencia de Naciones Unidas para los Refugiados, a día de hoy hay muchos héroes de carne y hueso, como "la gente que da cada minuto de cada día de su vida para arriesgarse por los demás" o los migrantes.
"Para algunos son un peso cuando llegan a un país, pero no se habla de que han huido por lo que creen, por buscar protección para sus familias. Lo dejan todo y sobreviven cada día con casi nada. Ellos también son mis héroes", apuntó.
En doble acepción, 'berlanga' es un juego de naipes que exige tres cartas iguales para ganar y por otra parte un accidente que señala el cauce de un río. De ambas bebe la filmografía de Berlanga: sustantiva en la historia del cine hasta el punto de adjetivar una forma de…
En doble acepción, 'berlanga' es un juego de naipes que exige tres cartas iguales para ganar y por otra parte un accidente que señala el cauce de un río. De ambas bebe la filmografía de Berlanga: sustantiva en la historia del cine hasta el punto de adjetivar una forma de…
Este concepto, trasunto de caótico y disperso, reivindicó José Luis Borau en 2008 durante su discurso de ingreso en la Academia de la Lengua, finalmente admitido en 2020 a través de una de las últimas actualizaciones del diccionario, acaso para festejar a Luis García Berlanga (1921-2010) como antesala del centenario que se celebra este año.
De Cervantes, cervantino; de Dante, dantesco; de Lorca, lorquiano... y de Berlanga, berlanguiano, son algunos ejemplos del trasvase de lo particular a lo universal, del troquel del habla popular para acuñar algo que ha trascendido ámbitos como demostró este cineasta, ensayista, pintor de frescos, historiador y sociólogo de la España de último medio siglo XX.
Filmó en blanco y negro, rodó en 'sepia' y estrenó en color porque no fue un director de época sino de muchas épocas, un minucioso observador de la miseria humana sobre la que aplicó una lupa de conmiseración tamizada de ironía para no sucumbir al pesimismo, eso sí, sin alineamientos políticos ni dogmatismos intransigentes.
Desnudó el catálogo de incongruencias de la condición humana y aireó su poquedad moral hasta descubrir sus vergüenzas en todas las capas sociales, como un fruto tardío de la picaresca del Siglo de Oro, un epígono de esa generación dorada que, setenta años después de su primer filme ("Esa pareja feliz"/1951), continúa inmarcesible.
El resultado de ese empeño de un hombre solo, entre los fanatismos de unos y otros, fue el de un estilo propio, un sello personal que nunca tiró tres cartas iguales (ahí refutó a la 'berlanga') y encauzó el cine español después de la Dictadura junto a otros creadores y productores de renombre.
Fue el delator de los trucos del régimen franquista ("Bienvenido, Míster Marshall"), deslizó la Picaresca española en el cine ("Los jueves, milagro"), criticó la hipocresía moral ("Plácido"), defendió la libertad y la vida ("El verdugo"), firmó la crónica de la Transición ("La escopeta nacional"), censuró los desmanes de la democracia ("Todos a la cárcel") y rodó una de las mejores películas sobre la Guerra Civil ("La vaquilla").
Toda su obra es una metáfora de la nada, un pesimismo macerado de humor, la constatación de una falta absoluta de fe en el hombre, la articulación de una retórica de la resignación.
La filmografía de Luis García Berlanga es bastante más que la coña, la guasa, retranca, sandunga y traca que adornaron sus películas, donde se desliza una acerada crítica social a partir de guiones en los que también se advirtió la mano de Rafael Azcona, otro genio rebelde como él.
"Es un director casi inclasificable. No se casó con nadie", ha explicado a Efe el Javier Angulo, desde 2008 director de la Semana Internacional de Cine de Valladolid (Seminci), un festival que este próximo martes estrenará la película "Berlanga!!", de Fernando Maluendo, como tributo y gratitud al realizador valenciano.
Berlanga y Bardem, autores de la primeriza "Novio a la vista" (1951), "inauguraron un tipo de cine: una comedia de color en la España del blanco y negro que salía del subdesarrollo, con toques realistas e infiltraciones de genios como Rafael Azcona y Marco Fereri", ha resumido Angulo.
La 66ª edición de la Semana Internacional de Cine de Valladolid (Seminci) ha levantado el telón este pasado sábado con la ópera prima de Clara Roquet 'Libertad', película que abre un festival marcado por la recuperación en las salas a niveles anteriores a la pandemia.
La 66ª edición de la Semana Internacional de Cine de Valladolid (Seminci) ha levantado el telón este pasado sábado con la ópera prima de Clara Roquet 'Libertad', película que abre un festival marcado por la recuperación en las salas a niveles anteriores a la pandemia.
Tras un 2020 de supervivencia a causa de las restricciones de la covid, la Seminci ha regresado con afán de recuperar la normalidad en los cines, y en los próximos ocho días proyectará decenas cortos y largometrajes, contará con cineastas llegados de multitud de países y celebrará encuentros de debate guardando las medidas de seguridad, pero con las ganas de cine y de recuperación latentes.
Así lo ha remarcado en el discurso inaugural el director de la Seminci, Javier Angulo, quien afronta esta edición "a caballo entre la normalidad de 2019 y la supervivencia" del pasado año, en un 2021 que es el "año para la esperanza" y la vuelta a la normalidad también en las salas.
En voz de la madrina de esta edición, Emma Suárez, quien ha leído el discurso en el Teatro Calderón, el director del festival ha invitado a consumir el mejor cine de autor, rodado en buena parte durante el confinamiento.
Ha detallado que la edición está marcada por los documentales de aniversarios como los centenarios de Berlanga y Fernando Fernán Gómez, los 50 años del estreno de "La naranja mecánica" de Stanley Kubrick o la aparición de los Beatles hace 60 años, y contará con 23 títulos en la Sección Oficial que competirán por la ansiada Espiga de Oro.
"Es un año para retomar el gusto de ver cine en las salas y compartir lo vivido y sentido con amigos y aficionados", ha remarcado Angulo, quien prevé que es tiempo de "sentir en el silencio de la sala oscura cómo se activan los sentidos y se disparan los sentimientos con ese cine de autor".
En una edición especial, porque aún se mantienen límites de aforo, con una butaca entre cada persona o gente que acude en grupo, el festival ha recuperado el ritmo de los años previos de la pandemia, e incluso ha vendido más de 20.000 entradas el primer día.
Aún con el ambiente de recuperación, el festival ha recordado antes del inicio de la gala las medidas sanitarias por megafonía: cuentan con gel hidroalcohólico en las entradas, piden evitar aglomeraciones y que la salida sea paulatina y ordenada, y recuerdan la obligatoriedad de la mascarilla.
Durante la gala, dirigida por Ana Morgade y Eva Marciel, ha recibido la Espiga de Honor el director argentino Juan José Campanella, entregada por varios de los actores que ha dirigido, un premio que recoge en la que considera su casa tras "30 años de felicidad" recibida por el cine y el público.
Recibirán la Espiga de Honor en la 66 Seminci durante los próximos días otras figuras relevantes de la gran pantalla como son Vittorio Storaro, José Coronado, Mercedes Sampietro, José Luis Alcaine, Álex de la Iglesia y Emilio Gutiérrez Caba.
La gala ha estado precedida de la tradicional alfombra verde, por donde han desfilado representantes del cine como Antonio Resines, Clara Lago, el protagonista de 'La Naranja Macánica', Malcolm McDowell, o los miembros del jurado internacional de la presente Seminci que preside la cineasta india Deepa Mehta.
La presidenta del jurado ha pedido "celebrar juntos el arte" tras dos años "muy duros", en una Seminci que proyectará 23 largometrajes y 12 cortos en su sección oficial llegados de varios países, lo que "representa la diversidad en la que vivimos".
El documental "La naranja prohibida", presentado este domingo en la 66ª Semana Internacional de Cine de Valladolid (Seminci), recuerda cómo fue el de la película de Stanley Kubrick "La naranja mecánica" en este mismo festival pero hace 50 años, días antes de la muerte del dictador Francisco Franco.
El documental "La naranja prohibida", presentado este domingo en la 66ª Semana Internacional de Cine de Valladolid (Seminci), recuerda cómo fue el de la película de Stanley Kubrick "La naranja mecánica" en este mismo festival pero hace 50 años, días antes de la muerte del dictador Francisco Franco.
Su autor, Pedro González Bermúdez, utiliza en el documental la voz en off del protagonista de filme original, el actor Malcolm McDowell, que encarnó al maléfico Alex DeLarge en la película de Kubrick, que tardó cuatro años en verse en España debido a la censura del régimen franquista.
Con motivo del 50 aniversario del filme (1971-2021), González Bermúdez (Madrid, 1975) ha relatado el polémico estreno en España de una de las cintas de Kubrick más reconocidas, durante el festival de Valladolid celebrado en 1975 con Carmelo Romero en la dirección.
Romero recuerda los problemas que tuvo que sortear para estrenar en Valladolid "La naranja mecánica": la negativa inicial de Kubrick por considerarse un festival religioso, la carta que le envió para convencerlo con un argumento que luego incumplió y una amenaza de bomba durante la proyección en el Teatro Carrión.
"La gente quedó impresionada, apreció la brillantez en la dirección de Kubrick", detalla en la cinta Romero, quien cree que en toda obra artística "la necesidad de la libertad del creador es fundamental".
El documental es "brillante" porque va más allá de la película de Kubrick y "forma parte de la historia" de Valladolid y de España, ha afirmado durante una rueda de prensa McDowell, quien no conocía el contexto histórico español debido a la censura durante la dictadura, ha explicado.
McDowell se ha referido a la "violencia psicológica" de la película original, en un contexto en el que se veía por la televisión la guerra de Vietnam, "ardían pueblos, quemaban familias" y por entonces se sentían como "anestesiados" ante la violencia, un contexto que recoge "La naranja mecánica" desde "la libertad de elección del ser humano".
Ha detallado que no se considera un actor de método y por tanto no convive con el personaje de Álex, aunque ha reconocido que al ver la película se nota que le cae bien y que disfrutó con su interpretación.
"La llamada de Kubrick es el sueño de cualquier actor", ha confesado McDowell, quien recibió como un regalo que Kubrick le permitiera desarrollar el papel de Álex DeLarge, un reto que, a pesar de tener 25 años, le supuso "una montaña rusa de emociones".
El director del documental conmemorativo ha recordado que, cuando le propusieron realizar la cinta, buscó la forma de unirlo con España, y finalmente lo hiló con Valladolid y su polémico estreno dentro de la Seminci.
En "La naranja prohibida" aparecen testimonios de asistentes a la proyección en el festival de 1975 y voces de la actual escena vallisoletana como las del escritor Gustavo Martín Garzo, quien recuerda que en su primera visión le pareció una película "perturbadora" que fue censurada en España por la "oscuridad" del franquismo.
El director de cine Vicente Molina Foix, traductor del los diálogos en la versión española, rememora el "aroma de escándalo" de un filme que a día de hoy quizá no se recibiría igual: "no se quita la injusticia quitando el reflejo de algo injusto", ha apuntado respecto a la censura.
¿Qué es la posmodernidad? ¿Una época, una ideología, una conspiración? ¿Un periodo histórico, una lógica cultural propia del capitalismo tardío, un nuevo arte? Su propio nombre es paradójico, porque, ¿cómo puede ser algo más moderno que lo moderno, es decir, post-moderno?
¿Qué es la posmodernidad? ¿Una época, una ideología, una conspiración? ¿Un periodo histórico, una lógica cultural propia del capitalismo tardío, un nuevo arte? Su propio nombre es paradójico, porque, ¿cómo puede ser algo más moderno que lo moderno, es decir, post-moderno?
El concepto resulta tan confuso, contradictorio y vago que no está de más detenernos a definir la posmodernidad y su importancia para entender el mundo actual. Tomaremos para ello un referente compartido por todos: la fábrica de sueños, el cine de Hollywood.
Empecemos por la modernidad
Fijemos entonces qué es la modernidad para después intentar entender ese prefijo. La Modernidad es la lógica histórica que ha dominado el mundo desde la Ilustración y hasta el siglo XX. Es la democracia y la separación de poderes, el liberalismo económico y el desarrollo del capitalismo (también su contrarrelato, el marxismo), la razón, el progreso y la ciencia, el ansia por clasificar el mundo y jerarquizarlo.
Pero también es su cara B: el colonialismo y la esclavitud, el racismo sistemático, el desastre medioambiental. La modernidad también son esas dos guerras mundiales: el dominio de la tecnología para arrasar ciudades y perpetrar genocidios nunca vistos.
Durante ese terrible siglo XX afloran las grietas de la modernidad. Se acaba la fe en un único relato. Ya no es que la religión no nos sirva, es que tampoco la fe en la ciencia parece llevarnos a un sitio muy luminoso. Freud, Marx, Darwin… todos esos señores en los que tanto se confió en otro tiempo parece que ya no pueden darnos respuestas. ¡Maldición! Surge entonces la posmodernidad, que es tanto la reacción decepcionada a la modernidad como su siguiente capítulo lógico.
¿Y el cine?
El cinematógrafo es un invento de la revolución industrial. Fotografía y luz eléctrica: ¡magia! Encaja por lo tanto en el proyecto moderno, y de hecho las vanguardias modernistas se dan enseguida, a las pocas décadas de haberse inventado el cine.
Y como todo va tan rápido, le llega enseguida su momento posmoderno. Hay quien dice que el cine es el medio posmoderno por excelencia. Un medio hecho de pastiche y mezcla (el montaje), sin un autor claro (miren si no los títulos de crédito de cualquier película), que borra de manera efectiva la frontera entre la alta y baja cultura.
Clásico, moderno, posmoderno
Pero decir que todo cine es posmoderno puede confundir más que ayudar. Según Fredric Jameson si el capitalismo puede dividirse en capitalismo de mercado, imperialista y multinacional, el cine habría atravesado ya tres fases análogas: el periodo clásico, el modernista y el posmodernista. Tan rápida va la historia del cine que se apelotonan en ella, en unas pocas décadas, las diferentes fases que la humanidad ha atravesado a lo largo de siglos.
Fotograma de Sospecha, de Hitchcock.
El cine clásico, centrado en el realismo y basado en convenciones narrativas reconocibles, marca el florecimiento y la expansión de Hollywood a comienzos del siglo XX. El cine moderno empieza con los grandes autores de mediados de siglo (Welles, Hitchcock, Fellini, Bergman…) y sigue con los movimientos rupturistas: el neorrealismo italiano, la nueva ola francesa, el nuevo cine alemán. El cine clásico queda completamente absorbido, procede ahora romper sus reglas, exponer y hasta parodiar sus convenciones.
Identificando la posmodernidad
Pero esta ola pasa rápido: llega la fase posmoderna. Un cine que conoce a la perfección tanto el periodo clásico como las rupturas modernistas, pero que las da por amortizadas. Ahora toca jugar con los despojos. Así:
1) Intertextualidad
En la película de animación Antz (1998) las hormigas bailan igual que Mia y Vincent en Pulp Fiction (1994). Woody Allen recrea en Sueños de un seductor (1972) el final de Casablanca (1942). Repite un diálogo y dice: “es de Casablanca, he esperado toda mi vida para poder decirlo”. Estas alusiones son retos a la memoria, invitaciones a la participación del espectador, más identificado con el autor y las referencias culturales que con la propia historia relatada.
En Antz el protagonista baila igual que John Travolta en Pulp Fiction.Buzzfeed
Una idea subyace a esta intertextualidad constante: ya lo hemos visto todo. No somos capaces de vivir una escena romántica sin hacer referencia irónica a otra escena romántica que hayamos visto en el cine.
2) Hiperrealidad
La ubicuidad de cámaras y pantallas son elementos recurrentes de las películas posmodernas, desde Blue Velvet (1986) a Blade Runner (1982), y el tema central de películas como El show de Truman (1998). Bienvenidos a la sociedad de la imagen. Una sociedad que crea y consume imágenes compulsivamente. Tanto es así que a veces ya solo entendemos el mundo a través de las imágenes que hemos creado de él. Es lo que Baudrillard llama la hiperrealidad.
Escena de El Show de Truman en la que el protagonista se da cuenta de que todo el mundo le vigila.
Las imágenes creadas se convierten en algo más real que la propia realidad. Todos somos más guapos en Instagram. Los fans de Juego de Tronos buscan Rocadragón y encuentran, decepcionados, San Juan de Gaztelugatxe. Y cuando la realidad nos golpea de manera extraordinaria, por ejemplo, con los atentados del 11-S, apenas podemos musitar: “Parece una película…”.
3) Mezcla
Como ya lo sabemos todo y no respetamos nada, existe una bula posmoderna que dice que todo se puede mezclar. Como en Memento (2000), todo es fragmentario, caótico, mezcla. También los géneros. El laberinto del fauno (2006) parece un drama histórico sobre la posguerra civil y se acaba convirtiendo en una película fantástica con criaturas sobrenaturales. ¿Ficción y realidad? Mezcla pura. En El proyecto de la Bruja de Blair (1999) nunca sabemos si ese “metraje encontrado” es cierto o no. Exit Through the Gift Shop (2010) adopta la forma de un documental pero se desliza sin darnos cuenta hacia la ficción.
El proyecto de la bruja de Blair jugaba con la posibilidad de que la ficción fuese realidad.Filmaffinity
Todas estas transgresiones hablan de lo mismo: las categorías que conocíamos y parecían tan naturales no eran más que convenciones que pueden revertirse. Pura posmodernidad.
4) Ironía
Nada es auténtico, riámonos de todo. La sociedad posmoderna, en su vertiente reaccionaria, se ha resignado a no poder cambiar nada y opta por no tomarse nada en serio. En el cine es hacer una película de desastres y llamarla Disaster movie (2008). Es mezclar películas de tiburones y tornados y hacer Sharkanado (2013), la historia de un tornado de tiburones. Es lo gore, tan exagerado y tan kétchup que da la risa.
Tráiler de Sharknado.
5) Nostalgia
La posmodernidad dice que la historia ha terminado, que ya nada nuevo puede esperarse. En el cine esta idea adopta la forma de la nostalgia. Revisitaciones de géneros clásicos, estética retro, remakes, secuelas y precuelas. En Grease (1978) se recrean los años 50 norteamericanos, esa época dorada y conservadora. En El club de la lucha (1999), la vieja masculinidad se echa tanto de menos que los hombres quedan para darse golpes hasta perder el sentido. ¿Qué es Drive (2011) sino la vuelta del cowboy solitario?
Grease, los años 50 a finales de los 70.
Cualquier tiempo (y cine) pasado fue mejor: lema reaccionario (y posmoderno) por antonomasia.
Katixa Agirre, Profesora de Comunicación Audiovisual, Universidad del País Vasco / Euskal Herriko Unibertsitatea
Un 23 de octubre de 1941 se estrenaba de la mano de RKO Radio Pictures “Dumbo”, la tierna historia del pequeño elefante volador de enormes ojos azules cuya inocencia, bondad y generosidad ha conquistado a millones de personas en estos 80 años y que aún hoy sigue siendo uno de…
Un 23 de octubre de 1941 se estrenaba de la mano de RKO Radio Pictures “Dumbo”, la tierna historia del pequeño elefante volador de enormes ojos azules cuya inocencia, bondad y generosidad ha conquistado a millones de personas en estos 80 años y que aún hoy sigue siendo uno de…
El cuarto largometraje de la factoría de animación cuenta cómo la señora Jumbo acaba de ser mamá de un pequeño elefantito con grandes orejas que se convierte en la burla de los animales y de los niños que visitan el circo, pero la elefanta le defiende siempre con la ayuda del ratón Timoteo, que le convierte en una estrella gracias a sus dotes voladoras. Cuando lo dibujaron parecía que no estaba predestinado a ser una estrella.
De hecho, según confesiones que hizo el propio Walt Disney tras su estreno, decían que la cinta fue “lo más espontáneo” que habían hecho nunca: “Empezó siendo una idea y, a medida que la trabajábamos, íbamos añadiéndole cosas y antes de darnos cuenta habíamos hecho una gran película”, afirmó Disney, según recoge el libro “Los archivos de Walt Disney”, de Taschen.
El pequeño elefante volador llegaría a las pantallas sin que el público tuviera antes conocimiento de él, pues la divertida historia infantil escrita por Helen Aberson y su marido, Harold Pearl, ni siquiera había llegado a imprenta cuando Disney ya había adquirido los derechos.
“Dumbo” no solo es una de las películas animadas más breves de Disney -dura 64 minutos, solo por detrás de “Saludos amigos” de 1942)- sino que también, con su bajo presupuesto (812.000 dólares), demostró ser sumamente rentable.
El trabajo de la cinta, incluidos los preparativos iniciales, tan solo duró un año y medio; y el proceso de animación se realizó entre la primavera y el otoño de 1941.
Tras su estreno, la cinta logró reportar en torno a medio millón de dólares de beneficios. Después de “Pinocho” y “Fantasía”, que habían generado pérdidas, el éxito del pequeño elefante ayudó a reflotar The Walt Disney Studios en el mercado cinematográfico.
Ward Kimball, uno de los animadores principales del filme, elogió el mismo diciendo que “puede que hayamos hecho cosas mucho más maduras, bonitas y audaces, pero estoy convencido de que los dibujos animados de Disney alcanzaron el cenit con ‘Dumbo’.
Para mí, es la única película de dibujos animados con una trama infalible”. Las reacciones fueron positivas, muchos críticos de la época consideraron que “Dumbo” fue un retorno a las raíces de Disney.
Sin embargo, en los años sesenta la escena de los cuervos, que se hizo con la idea de caricaturizar a los músicos afroamericanos que triunfaban en los clubes de Harlem a modo de homenaje, suscitó polémica y, en consecuencia, los estudios se abstuvieron de volver a proyectar la película.
Esto duró hasta 1967, cuando en la Expo de Montreal decidieron que no había motivo para guardar la cinta en un cajón, por lo que no solo fue proyectada en los cines de nuevo, sino que se convirtió en la primera película Disney en salir en formato VHS.
Pero el melón del racismo se volvió a abrir a principios de este año cuando el gigante del entretenimiento optó por reforzar la seguridad en su plataforma de streaming Disney+ retirando del catálogo infantil las películas clásicas, como “Dumbo” o “Peter Pan”, entre otras, que incluyen representaciones negativas y/o maltrato de personas o culturas, aunque seguirán disponibles en las cuentas de adultos.
Al margen de la polémica, el divertido y simpático elefantito volador ha enseñado durante generaciones un valor que conviene recordar de vez en cuando y es que “ser distinto no es ni mejor ni peor, es simplemente diferente”.
Issa Rae y HBO se despidieron este jueves a lo grande de "Insecure", la aplaudida comedia que con su quinta temporada dirá adiós a la televisión.
Protagonista y cocreadora (junto a Larry Wilmore) de esta serie, Rae fue la estrella de la "premiere" de la última temporada de "Insecure", que tuvo lugar en el parque Kenneth Hahn de Los Ángeles (EE.UU.).
En este evento especial al aire libre y en una fresca noche de la ciudad californiana, HBO rindió homenaje al legado de "Insecure" con numerosas fotografías de las cuatro temporadas anteriores, con carteles en neón de algunas de las frases más famosas de la serie, y con la proyección especial de los dos primeros episodios de la última temporada.
En un emotivo discurso, Rae dio las gracias al equipo y el reparto que han hecho posible "Insecure", y dijo que ante todo quería "celebrar" todo lo que ha conseguido esta comedia, que ha sido muy elogiada por su representación de la población afroamericana.
"Insecure" se centra en las andanzas y el día a día de Issa Dee (Issa Rae), una mujer negra en Los Ángeles con muchos dilemas sentimentales y profesionales. Yvonne Orji, Jay Ellis y Natasha Rothwell son algunos de los actores que han acompañado a Issa Rae en el reparto de la serie.
HBO estrenará la quinta y última temporada de "Insecure" el domingo 24 de octubre. Los actos de despedida de "Insecure" no acaban con la "premiere" de esta noche puesto que este sábado se celebrará en Los Ángeles el llamado "Insecure Fest", un festival completamente dedicado a la serie.
Actuaciones musicales sorpresa, juegos sobre la serie y una exposición fotográfica formarán parte de este evento totalmente diseñado para los fans de "Insecure".
