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"Tales From the Loop" es la nueva serie que presenta Amazon Prime Video, una historia de ciencia ficción protagonizada por Rebeca Hall y Jonathan Pryce que gira entorno a una máquina que hace posible lo imposible y que su creador, Nathaniel Halpern, espera que proporcione a la sociedad "un poco…
"Tales From the Loop" es la nueva serie que presenta Amazon Prime Video, una historia de ciencia ficción protagonizada por Rebeca Hall y Jonathan Pryce que gira entorno a una máquina que hace posible lo imposible y que su creador, Nathaniel Halpern, espera que proporcione a la sociedad "un poco…
"A menudo en la actualidad, en la ciencia ficción y el entretenimiento en general hay mucha violencia y se abusa de la ansiedad y el miedo y la ira", explicó en una entrevista con Efe Halpern, que se ha inspirado en un libro de arte narrativo con el mismo título creado por el sueco Simon Stålenhag.
"Aquí he querido crear un 'show' con una gran cantidad de empatía y con mucha emoción y una cualidad universal que pudiera proveer de un poco de esperanza sin ser sentimental", aclara el escritor, que a lo largo de su carrera también ha participado en producciones como la serie "Legion" (2017) y "The Killings" (2011).
Halpern ha creado una serie de 9 episodios de unos 50 minutos cada uno en la que cuenta diferentes historias relacionadas con una máquina misteriosa denominada "Loop", ideada por un científico llamado Russ, que encarna el actor británico Jonathan Pryce.
En "Tales from the Loop", que se estrena el viernes 3 de abril en la plataforma digital de Amazon Prime, el enigmático instrumento, custodiado bajo tierra, hace posibles ciertas situaciones que anteriormente quedaban reservadas a la ciencia ficción, como el encontrarse durante la niñez con tu yo adulto, o convivir unos días con la versión de ti mismo que se ha desarrollado en una realidad paralela.
Para la actriz que se mete en la piel del personaje protagonista, Rebeca Hall (Loretta), la serie tiene un carácter único porque es "enigmática y contenida y misteriosa y fantástica, pero además está anclada en algo familiar".
"Creo que es refrescante y bastante valiente. Nos pide que nos enfrentemos a preguntas filosóficas importantes sobre lo que significa ser humano de una manera muy sentida, sincera y vulnerable", opina Hall, conocida por su papel en "Vicky Christina Barcelona" (2008), "The Awakening" (2011) o "Christine" (2016).
Pero la intérprete, hija del prestigioso director de cine, teatro y ópera Peter Hall, subraya la originalidad no sólo del argumento de la serie, que no tiene que verse necesariamente en orden cronológico dado el carácter independiente de la trama de cada uno de ellos, sino también de su elaborada fotografía y estética.
"No creo que nunca haya visto un programa de televisión inspirado en arte. Supongo que eso inmediatamente me hizo imagina que iba a tener una sensibilidad visual muy fuerte, un tipo de estética muy específico, y eso me pareció muy emocionante", elabora Hall.
Cuenta, además, que cuando le propusieron el proyecto, en el que también se ha involucrado el exitoso director y escritor Matt Reeves como productor ejecutivo, se lo describieron como si "(Ingard) Bergman hiciera ciencia ficción".
"Tiene esa libertad para ser un poco más independiente que lo que se ha permitido en el pasado el tipo de entretenimiento para toda la familia", opina. Pero para la actriz, el mensaje básico que transmite la serie es muy real, a la vez que crudo.
"Creo que refleja que las personas tienen que el ser humano en sí es resiliente. Que puede ser duro ser persona, pero también hay una belleza intrínseca en ello", zanja.
Además de Rebecca Hall y JonathanPryce, la serie cuenta con la actuación de Paul Schneider, Daniel Zolghadri, Duncan Joiner,Tyler Barnhardt, Jane Alexander y Ato Essandoh. EFE.
A Javier Gutiérrez, un seguro de vida para cualquier producción cinematográfica, le llueven los proyectos. El actor valora con Efe sus trabajos para 2020, tres thrillers en los que su papel de héroe-antihéroe le permite reflexionar sobre su carrera y futuros proyectos: "Soy un tipo muy normal, no me veo…
A Javier Gutiérrez, un seguro de vida para cualquier producción cinematográfica, le llueven los proyectos. El actor valora con Efe sus trabajos para 2020, tres thrillers en los que su papel de héroe-antihéroe le permite reflexionar sobre su carrera y futuros proyectos: "Soy un tipo muy normal, no me veo…
Muchos le definen como la gallina de los huevos de oro del cine español a razón, por supuesto, de sus interpretaciones en los últimos años. Se puede decir que su brillante detective Juan Robles en "La isla mínima", allá por 2014, fue la chispa que encendió la mecha de un éxito en pantalla que, a día de hoy, resulta imparable.
Ya lo decía Mario Casas hace unos días en una entrevista con Efe cuando hablaba de la película "Hogar", donde comparte cartel con Gutiérrez: "Todo lo que toca se convierte en oro", una realidad que, desde aquel detective de 2014, se viene observando en cada uno de sus trabajos.
"El desconocido" (2015), "El olivo" (2016), "1898. Los últimos de Filipinas" (2016), las series "Estoy vivo" (2017) y "Vergüenza" (2017), "El autor" (2017) o "Campeones" (2018), títulos que dan crédito a la carrera del que es, sin duda, uno de los grandes actores de la escena española.
Sin embargo, el actor asturiano huye, en cierto modo, de vanagloriarse o mitificar su trabajo con un simple "soy un tipo muy normal" al hablar a Efe de su papel en el thriller policiaco "Bajocero".
Una película, pendiente de estreno en 2020, en la que el papel de Gutiérrez como policía encargado de trasladar a un grupo de presos de máxima seguridad de un penal a otro adquiere cierto matiz heroico. "Yo que soy un tipo muy normal, no me veo haciendo de Bruce Willis.
De hecho, en "Bajocero" no es que sea Bruce Willis ni mucho menos, pero sí que mi personaje es una especie de héroe, muy a su pesar, o de antihéroe, depende cómo uno lo mire", argumenta Gutiérrez. Junto a "Bajocero", de la que el actor reconoce sentirse "orgulloso" por el "duro trabajo" realizado, Gutiérrez habla de "La hija", un thriller que, como muchos otros, ha tenido que posponer su rodaje como medida de seguridad ante la propagación del coronavirus.
El largometraje, según el actor, será "una de las sorpresas de la temporada": "La película es de Manuel Martín Cuenca, con el que es un lujo volver a coincidir. Es una maravilla de guion y a poco que lo hagamos bien creo que va a ser una de las sorpresas y uno de los títulos de la próxima temporada".
A ambos trabajos se une el de "Hogar", ya disponible en Netflix, un proyecto al que Gutiérrez, "sin dudar", dijo que sí: "¡Menudo viajazo y menudo personaje tengo que defender!", exclama el actor cuando rememora lo que pensó al tener, por primera vez, el guion en sus manos.
"Es una película muy idónea a los tiempos que corren, que habla sobre el egoísmo atroz del ser humano. Es un viaje a los abismos más profundos o la negrura más espesa del ser humano", apunta Gutiérrez, quien destaca el "talento" de los hermanos Pastor, directores de la cinta, así como "la seriedad y profesionalidad" que Casas imprimió a su interpretación.
El actor, que acaba de estrenar la tercera temporada de "Vergüenza" y está a la espera de comenzar a rodar, después de verano, la cuarta entrega de "Estoy vivo", reflexiona sobre sus últimos trabajos y reconocer tener ganas de participar en un proyecto de comedia. "Me apetece mucho volver a hacer comedia.
La comedia es algo muy serio y para hacer una buena comedia hay que tener muy buen guion y las que me han llegado en estos últimos tiempos, por desgracia, no me han ilusionado", admite el actor quien, como buen fan de "Los Soprano", comenta que sería "sensacional" poder ponerse "en la piel de uno de los secuaces de Tony Soprano".
Un Javier Gutiérrez que no duda en afirmar que es un "actor que suele colgar el traje del personaje una vez que termina su trabajo" y al que le apasionan los "nuevos retos" y la idea de, a pesar de ser alguien "muy normal", buscar nuevas inquietudes y "no acomodarse". EFE.
Este fin de semana la taquilla de los cines se ha ido a negro. El dato que semanalmente sirve para conocer las películas más vistas por el público no ha registrado ninguna venta en EE.UU. por primera vez en su historia, salvo una interrupción de 1994 por un desastre natural.
Este fin de semana la taquilla de los cines se ha ido a negro. El dato que semanalmente sirve para conocer las películas más vistas por el público no ha registrado ninguna venta en EE.UU. por primera vez en su historia, salvo una interrupción de 1994 por un desastre natural.
Aunque la noticia era de esperar, dado que en gran parte del mundo las salas llevan semanas cerradas y hace unos días se clausuraron las proyecciones de la mayor parte de distribuidoras en Estados Unidos, la industria del entretenimiento ha destacado este lunes esta situación especial, que sin embargo tiene una excepción.
Algunos autocines (drive- in), pensados para ver películas desde los vehículos y muy populares en el siglo XX, han continuado abiertos en EE.UU. y han recibido espectadores, ya que desde sus automóviles no quedaban expuestos al riesgo por contagio del COVID-19.
Sin embargo, esta situación es una representación ínfima de la realidad, ya que los establecimientos de este tipo en EE.UU. apenas llegan al centenar, proyectan muy pocas cintas y permanecen como un recuerdo del carisma de otros tiempos, lejos de ser realmente operativos para la gigante industria del entretenimiento.
De este modo, por primera vez el negocio del cine, con sus salas cerradas a cal y canto, se ha quedado sin el listado semanal de audiencias. La misma situación se dio en 1994, hace 26 años, pero en circunstancias muy diferentes y con otro final.
Tras el terremoto de Northridge, que azotó con fuerza el sur de California y Los Ángeles (EE.UU.), el edificio desde el que se enviaban los registros quedó afectado y el empleado encargado de enviar el fax con los datos, en momentos anteriores a internet, no pudo acceder a tiempo para que llegara a los periódicos del día.
"El caballero que dirigía la compañía, John Krier, me coló en el edificio para que pudiera enviar los números de la taquilla por fax a la prensa y a la industria", recuerda a la revista Deadline el analista Paul Dergarabedian, que finalmente consiguió hacer públicos los registros, a pesar de los obstáculos.
Sin embargo, en esta ocasión, si los empleados accedieran al edificio se encontrarían una hoja en blanco, situación que parece que se alargará varias semanas.
Por ejemplo, AMC, el mayor propietario de cines de EE.UU., indica que cerró "todos sus establecimientos de acuerdo con las normas locales, estatales y federales" y precisa que el cierre será de, al menos, "entre 6 y 12 semanas".
Por el momento, la medición del centenar de autocines abiertos indica que "Onward" ha sido la película más vista en estas ubicaciones pensadas para vehículos, por encima de "El hombre invisible" y de "Bloodshot".
Las tres cintas, afectadas por el cierre de cines justo después de su estreno, han adelantado su llegada a internet y televisión a esta semana, para que pueden verse desde los hogares durante la cuarentena del coronavirus.
Por su parte, grandes producciones como "James Bond: Sin tiempo para morir" o la nueva "Mulan", ya han aplazado sus estrenos hasta finales de año. Hasta el momento, los casos confirmados de coronavirus en el mundo son más de 332 000 y los fallecidos superan los 14 500, según las últimas cifras proporcionadas por las autoridades sanitarias a la Organización Mundial de la Salud (OMS). EFE.
Ahora que hay tiempo, que nos podemos dedicar a los detalles, a ir al origen, ¿por qué no dar a conocer a los más pequeños cómo nació esa industria que en estos días tanto nos está acompañando?. Pues "Cinematográfico" lo hace, y de la mano de la primera directora de…
Ahora que hay tiempo, que nos podemos dedicar a los detalles, a ir al origen, ¿por qué no dar a conocer a los más pequeños cómo nació esa industria que en estos días tanto nos está acompañando?. Pues "Cinematográfico" lo hace, y de la mano de la primera directora de…
Con ella y con un simpático animal parecido a un león y a una pantera, porque ellos son el hilo conductor, los guías que nos llevarán por este recorrido por una historia "inacabada", la del cine y de los que participaron en sus comienzos.
Así nos lo anuncian estos dos protagonistas en la primera página de este libro apaisado escrito por Gema Sirvent e ilustrado por Ana Pez en el que, según cuenta a Efe la autora de las imágenes, han intentado "abarcar una visión muy completa" del mundo del celuloide para rescatar "por completo" a Alice Guy-Blanché, "la primera persona en hacer lo que conocemos en hacer cine, una tía muy cañera".
Lo era, añade Pez, porque no solo inventó un "montón de cosas" como ser la primera en "montar una historia y crear ficción con cine", sino que en sus producciones incluía a actores y actrices de "todas las clases sociales" y llegó a hacer documentales donde hablaba sobre cómo "se destruía a las mujeres".
Pero en "Cinematográfico" (editorial Libre Albedrío) está casi todo sobre el celuloide y sus protagonistas, porque en palabras de Pez hacerlo ha sido una "labor napoleónica", pese a que hayan tenido que "renunciar" a algunos contenidos como referencias "emocionales" que están ligadas a algunos temas que abordan. En concreto, el libro empieza dando a conocer el origen del cine, el kinetoscopio, que viene de las palabras griegas "kineto", movimiento, y "scopos", ver.
Una máquina que Thomas Edison patentó en Estados Unidos en 1893, dos años antes de que los hermanos Lumiére patentaran en Francia el cinematógrafo. Un aparato con el que en hicieron "La salida de los obreros de la fábrica Lumiére", proyectada en 1895, el mismo año en el que en otra parte del mundo, en Alemania, los hermanos Skladanowsky inventaron el "bioscope", que proyectaba imágenes en movimiento utilizando la llamada "linterna mágica".
Y fue en estos años cuando Guy-Blanché rodó su primer cortometraje "El hada de los repollos", una adaptación de un cuento francés muy popular en la época. Pero también cuando creó su propio estudio: Solax Studios. Aunque la historia del cine, como cuenta el libro, "no fue justa" con ella y la excluyó por ser mujer hasta la década de los 90 del siglo XX, cuando se la empezó a reivindicar como la primera persona que dirigió una película.
No sucedió así con otros grandes nombres del celuloide como George Méliés, el encargado de introducir uno de los elementos fundamentales en el cine, el "deseo del espectador", nos cuentan Sirvent y Pez en las páginas de este libro en el que se van sucediendo diferentes estilos gráficos para contar así las "diferentes formas de narrar" del octavo arte, afirma la ilustradora.
A lo largo de la obra sus autoras nos indican cuáles son también las películas claves de cada época, como "La quimera de oro" en el cine mudo; "Metrópolis" en el cine expresionista o "Ciudadano Kane" en el cine moderno y "Los cuatrocientos golpes" en la Nouvelle Vague o "Avatar" en la tecnología 3D.
Y también nos muestran los secretos que se esconden en los planos y las angulaciones o los principios del lenguaje cinematográfico, como la profundidad de campo; así como datos curiosos como el de que "La soga" de Alfred Hitchcock se compone de un único plano secuencia.
Toda una experiencia cinematográfica por la que se pasean también Pedro Almodovar o Jean-Luc Godard. "Lo ideal -explica Pez- es que sirva para abrir la curiosidad y para que el niño o adulto se ponga a investigar, por eso damos muchos hilos de lo que tirar". Por eso recomienda que "un adulto le regale este libro a un niño que tenga interés por el cine" o que se lo regale porque le "quiera abrir este mundo y pueda compartirlo con él". EFE.
El reflejo de una sociedad rota y materialista, así es "Hogar", una excelente radiografía de la cruda realidad del fracaso que los hermanos David y Álex Pastor nos ofrecen y a la que Javier Gutiérrez y Mario Casas ponen, como protagonistas del filme, rostro. Una idea rondaba, desde hace años,…
El reflejo de una sociedad rota y materialista, así es "Hogar", una excelente radiografía de la cruda realidad del fracaso que los hermanos David y Álex Pastor nos ofrecen y a la que Javier Gutiérrez y Mario Casas ponen, como protagonistas del filme, rostro. Una idea rondaba, desde hace años,…
Una idea que, desdibujada y mezclada con otros proyectos que iban surgiendo, siempre volvía a ponérseles por delante. Esa idea era "Hogar", un proyecto que, según cuentan a Efe sus creadores, no podían dejar atrás. Tanto es así que la película, que se estrenará en Netflix este próximo 25 de marzo, será una de las pocas producciones que logre ver la luz en estos complicados meses para la industria cinematográfica.
"Cuando uno desarrolla una película, como esta industria es un poco complicada, nunca sabe lo que va a salir adelante, por eso siempre trabajamos en varias cosas a la vez. Pero "Hogar", a la que ya llevábamos unos años dándole vueltas, era una idea a la que siempre terminábamos volviendo, que siempre nos atraía y que no podíamos soltar.
Finalmente, nos decidimos a escribirla", explica Álex Pastor. Ambos directores, que comenzaron en el mundo del cortometraje, coinciden al reconocer que deseaban arriesgar y éste, un proyecto apoyado por Netflix y la productora Nostromo y con rostros como Javier Gutiérrez, Mario Casas, Bruna Cusí y Ruth Díaz, era el propicio para hacerlo: "No queríamos quedarnos a medias tintas", arranca David, el mayor de los hermanos.
Y prosigue: "Queríamos que fuera una propuesta arriesgada, en el sentido de ir a tope con el personaje (el de Javier Gutiérrez) y con la propuesta. Si eso significaba incomodar, pues sí, queríamos incomodar. Preferíamos eso a quedarnos en un thriller más convencional".
Como explica David en la entrevista, en el guion había "elementos oscuros e incómodos" que podían "asustar", sin embargo, tanto Netflix como los actores protagonistas dieron el "sí, quiero" al proyecto prácticamente sin pestañear.
Así lo explica a Efe Javier Gutiérrez, al que los hermanos Pastor tenían "muy en mente desde el principio tras verle en 'La isla mínima'": "Conocía el trabajo de los hermanos Pastor y cuando me llegó el guion, sin dudar, dije que sí, que me sumaba al proyecto porque, además, el personaje era muy interesante.
Era un trabajo que yo no había hecho hasta el momento". En esa misma línea, Mario Casas, propuesto a David y Álex por los productores de Nostromo, quedó "encantado" con el personaje, según relatan los creadores, y aceptó al momento: "La gente de Nostromo nos dijo que Mario siempre está interesado en buenos personajes, en buenos guiones y que no se trata del tiempo que esté en pantalla, sino de que el proyecto le interese.
Y la verdad es que tenían razón. Se leyó el guion, le gustó el personaje y le gustó la historia", apunta Álex. Se trata de una historia "hecha con muchísimo talento desde el guion y dirigida con muchísima maestría", como dice Gutiérrez, que "mantiene enganchado al espectador desde el inicio hasta el final", como completa Casas.
"Hogar" es una película oscura, que ahonda en el fracaso y sus consecuencias en el ser humano. "Es una película muy idónea a los tiempos que corren, que habla sobre el egoísmo atroz del ser humano. Es un viaje a los abismos más profundos, a la negrura más espesa", expresa Gutiérrez, ganador del Goya a mejor actor protagonista por "La isla mínima" y "El autor".
Un reto a nivel interpretativo para ambos actores, cuyas actuaciones eran, según explica Álex Pastor, los pilares de la historia: "El reto en esta película eran los personajes, las interpretaciones, encontrar el tono y el ritmo correcto". A lo que concluye con satisfacción: "Contábamos con la ventaja de tener muy buenos actores y poder darles rienda suelta sin la necesidad de tener que controlarles en exceso porque ellos mismos saben cómo hacer su trabajo.
Uno simplemente tiene que sentarse con ellos a hablar del personaje, de las escenas e intentar investigar las motivaciones internas de los personajes y, a partir de ahí, dejarlos hacer". EFE.
La Academia de Hollywood indicó este jueves que su prioridad ahora mismo es ayudar a los miembros de la industria cinematográfica durante la crisis por el coronavirus y aseguró también que no descarta cambios en los Óscar por los efectos de la pandemia.
La Academia de Hollywood indicó este jueves que su prioridad ahora mismo es ayudar a los miembros de la industria cinematográfica durante la crisis por el coronavirus y aseguró también que no descarta cambios en los Óscar por los efectos de la pandemia.
"La Academia está enfocada en ayudar a nuestra plantilla, nuestros miembros y la industria a abrirse camino en esta crisis de salud global y económica", señaló un portavoz de la Academia en un comunicado remitido a Efe.
"Estamos en el proceso de evaluar todos los aspectos de este incierto panorama y qué cambios quizá tengan que hacerse. Estamos comprometidos a ser ágiles y previsores mientras discutimos qué es lo mejor para el futuro de la industria y haremos más anuncios en los próximos días", añadió.
La 93 edición de los Óscar está previsto que se celebre el 28 de febrero de 2021 en el Dolby Theatre de Los Ángeles (EE.UU.). Pero uno de los interrogantes que se abren debido a la pandemia del coronavirus es si los Óscar deberían modificar los requisitos para que una película pueda ser candidata a las estatuillas.
Quizá el más relevante en estos momentos se refiere a la obligatoriedad de que una cinta que quiera entrar a la carrera deba exhibirse al menos durante una semana en un cine comercial del condado de Los Ángeles (EE.UU.) durante el año natural que precede a la gala (esto es, que se vea en 2020 para poder estar en la ceremonia de 2021). Esta regla no se aplica a algunas categorías concretas de los reconocimientos como mejor película internacional o mejor cinta de animación.
La condición de los Óscar de que una película tenga que pasar por las salas obligó a plataformas como Netflix a que sus cintas con aroma de premios, como "Roma" (2018) o "The Irishman" (2019), tuvieran un recorrido por los cines más o menos extenso y que no se estrenaran exclusivamente en los servicios digitales.
Pero con los cines actualmente cerrados en Los Ángeles (y en muchas otras partes del planeta), cabe preguntarse si los Óscar tendrán que buscar una alternativa o solución para que el requisito de exhibición en la pantalla grande no deje fuera de los galardones a muchas películas cuya distribución ahora mismo es toda una incógnita.
Hollywood ha bajado la persiana debido a la crisis global desatada por el COVID-19 y ha retrasado o suspendido sin fecha numerosos estrenos inminentes como los de "No Time to Die" (James Bond), "F9" ("Fast & Furious"), "Mulan", "Black Widow", "A Quiet Place Part II", "The Woman in the Window" o "The New Mutants".
La industria también ha tenido que detener los rodajes de grandes producciones cinematográficas como los de las cuatro secuelas de "Avatar", "Mission: Impossible 7", "Jurassic World: Dominion", "The Batman" o la nueva cinta de "The Matrix", entre muchas otras.
La crisis también se ha dejado notar en la cancelación o aplazamiento de citas tan importantes del calendario fílmico como el Festival de Cannes (Francia) o el Festival South by Southwest SXSW y el Festival de Cine de Tribeca (ambos en EE.UU.).
El número de casos globales de COVID-19 se elevó hoy a 207.860 y los muertos ya superan los 8.600, según los datos más recientes de la Organización Mundial de la Salud (OMS). EFE.
Ahora que es fin de semana en este ‘Diario del Año de la Peste’ que vivimos, con su estado de alarma y sus confinamientos, tenemos por delante todo un ocio doméstico que llenar con actividades nutritivas que bien pueden pasar por la lectura de clásicos muy a propósito, como por…
Ahora que es fin de semana en este ‘Diario del Año de la Peste’ que vivimos, con su estado de alarma y sus confinamientos, tenemos por delante todo un ocio doméstico que llenar con actividades nutritivas que bien pueden pasar por la lectura de clásicos muy a propósito, como por…
En ‘Pánico en las calles’ (Elia Kazan, 1950) Nueva Orleans resulta un escenario atemporal en la iconografía cristalizada por el género del cine negro. Al blanco y negro contrastado de sus imágenes se une la cualidad decadente y mórbida característica de la ciudad. Por sus calles corre Richard Widmark interpretando a un detective tras un delincuente de poca monta, Jack Palance, que sin saberlo porta la peste negra. Sólo tiene cuarenta y ocho horas para detenerle y frenar el rastro de contagios que va dejando. De lo contrario, la progresión geométrica de infectados amenaza con convertir el brote en una epidemia. La película constituye un thriller asfixiante en el que la condición de marginal del perseguido se identifica con su enfermedad. Es, efectivamente, un “apestado” que huye, aunque por una razón equivocada. Dejo a cada lector que busque el mensaje entre líneas que nos lanza el director, si es que lo hay. En todo caso, de llegar a contagiarnos siempre podremos identificarnos con el desgraciado hampón desde el sentimiento de culpa, y desahogar sin consecuencias la angustia que nos causan las incesantes noticias con datos de la propagación del virus.
De acuerdo, quizá ‘Pánico en las calles’ y ‘Diario del Año de la Peste’ no sean, respectivamente, la película y el libro más tranquilizadores a los que acudir en estos momentos; pero si no logran evadirnos del problema, en cambio sí pueden hacer que toquemos fondo en nuestra inquietud, y a partir de ahí empecemos a relativizar un poco la actual crisis, comprendiendo, de paso, muchas actitudes a nuestro alrededor. Para ello contamos con una buena cantidad de referentes; de entre ellos, en el ámbito literario, es ineludible citar ‘La peste’, de Camus. El genio observador capaz de extraer filosofía de las pulsiones más primarias del homo sapiens, nos da la clave, en esta obra, de cómo una situación desesperada saca lo peor pero también lo mejor de las personas. Por la corrupción hacia la solidaridad en el ejemplo de los dos doctores protagonistas, que encuentran un sentido ético a sus vidas en medio de una epidemia que se ceba en la ciudad de Orán. Aunque dicha peste se produjo realmente en el siglo anterior, Camus ubica la obra en la época de su publicación -1947-, puede que buscando subrayar la urgencia de su mensaje: la solidaridad, precisamente, en un escenario de posguerra. Pero esa es mi interpretación.
Las epidemias y pandemias tienen “a su favor” -en un sentido estrictamente artístico, abstracto- que suelen inspirar fábulas de carácter universal con un valor tan potente como el desastre que significan. Y desde muchos enfoques. El género fantástico, por ejemplo, se pliega perfectamente a relatos de contenido social con una plaga de fondo, como demuestra ‘Ensayo sobre la ceguera’, un torrente emocional y doliente, amargo hasta la náusea, aunque con redención final. Saramago se inspira para su obra en el relato de H.G. Wells, ‘El país de los ciegos’, mucho más sobrio y de narración cristalina, como corresponde a un escritor victoriano, pero con el que el libro del portugués comparte esencias. Son obras complementarias de dos humanistas.
Wells y Saramago, significados intelectuales de izquierdas, al igual que Camus, no pudieron resistirse a la lectura política y comprometida de un concepto como “la peste”. Tampoco fue ajeno Poe -tan dado a glosar pestilencias- a este tipo de interpretaciones. En su relato ‘La máscara de la Muerte Roja’, el bostoniano convierte la enfermedad en una metáfora de la perversión “de clase”: la que el poderoso proyecta sobre el pueblo sometido, pero que finalmente acaba por consumirle por mucho que se confine en una orgía desbocada entre los muros de su castillo... porque él mismo es la peste.
Aquí la alegoría no resulta tan evidente, pero si queréis encontrarla subrayada, para este programa doble de literatura y cine aconsejo echar un ojo a la versión cinematográfica que Roger Corman hace del relato en su ciclo de libres adaptaciones de la obra de Poe, con el icónico Vincent Price -su actor fetiche- al frente de la truculenta función. Puede que esta película no sea la más lograda de su filmografía, pero en cambio consigue crear una atmósfera genuinamente malsana, y lo desinhibido de muchas escenas va más allá de lo habitual en la época.
Tiramos de Vincent Price y recalamos en otro de los aspectos que caracterizan una pandemia, el aislamiento, otra vez desde el género fantástico. El actor protagoniza la primera de una serie de adaptaciones de la historia de Richard Matheson, ‘El último hombre sobre la Tierra’, también conocida como ‘Soy leyenda’ (1964) La claustrofobia del protagonista, limpio en un mundo de infectados que le asedian, está especialmente lograda en esta película, que acierta al centrarse en el esfuerzo moral que supone el confinamiento desde las rutinas más básicas para la supervivencia. Tan sugestivo resulta este enfoque, que el film, a pesar de tener un presupuesto paupérrimo (roza la “serie z”) se ha convertido en todo un referente. Como curiosidad, la producción tuvo que trasladarse de USA a Italia cuando se quedaron sin dinero, y de ahí el baile de directores y el contraste de ver una ciudad yankee llena de coches ‘Fiat’.
Anécdotas aparte, es verdad que Italia es tradicionalmente la puerta europea de las pestes y, como en el caso de la citada ‘Máscara de la Muerte Roja’, presta un escenario idóneo para retratar la decadencia, la enfermedad y la muerte. Hay ejemplos literarios desde el medievo de Bocaccio, que engarza las historias de su ‘Decamerón’ con la descripción de la plaga que asoló Florencia en el siglo XIV, hasta el comienzo del siglo XX, de la mano y pluma de Thomas Mann. Pero mientras Bocaccio emplea la peste como telón de fondo para relativizar cualquier solemnidad de la existencia en sus cuentos llenos de ingenio, ligeros y licenciosos, en Mann es metáfora de una enfermedad llamada “belleza” cuando se convierte en ideal inalcanzable y cada vez más nítido en el marco de una corrupción que avanza, imparable. Así puede entenderse la historia de ‘La muerte en Venecia’, donde la epidemia hace presa de la ciudad al tiempo que el protagonista -un trasunto del compositor Gustav Mahler- se ve incapaz de rozar esa perfección que ha ido a buscar hasta el borde mismo de su aniquilación. Mientras aquí y allá arden hogueras en una Venecia podrida, los afeites y tintes con los que el artista trata de equipararse al objeto de su fascinación, se derriten sobre un rostro que ya es una máscara. Como la misma belleza veneciana.
Suenan los acordes de la ‘Quinta Sinfonía’ de Mahler y parece el epitafio de una civilización. Un réquiem por todos. El miedo a ser borrados de un plumazo por algo intangible que nos supera es algo atávico, y el cine se ha encargado de recordárnoslo en clásicos como, por ejemplo, ‘La amenaza de Andrómeda’ (Wise, 1971), una película con tanto de ficción como de ciencia que causó sensación en su momento y aguanta bastante bien su casi medio siglo. Al final del metraje respiramos con alivio. La ciencia conseguirá liberarnos de las pestes, es posible, incluso las de origen extraterrestre, ¿pero quién lo hará de nosotros mismos y de nuestros temores?
A propósito, y antes de terminar, quiero evocar una película que aunque no trata de un virus nos habla del fin del mundo, y lo hace además de una manera doméstica; un apocalipsis tranquilo y desde la cotidianidad que por eso mismo resulta aún más estremecedor. Se trata del film de Stanley Kramer, ‘La hora final’ (‘On the Beach’, 1959) Aquí el enemigo invisible es la radiactividad tras un holocausto nuclear, y sus últimas víctimas, un puñado de habitantes en una ciudad de Australia. Hasta allí no ha llegado aún el veneno mortal que flota en el aire, pero tarde o temprano las corrientes lo dejarán en su puerta. Están condenados, y en poco tiempo, un individuo tras otro, la última comunidad humana sobre la tierra desaparecerá. Lo verdaderamente interesante de esta película es el proceso psicológico que viven los personajes; primero, la tensa espera, seguida de la euforia cuando llega la certeza; y a continuación, mientras empiezan a darse los primeros casos, una mansa y melancólica aceptación de lo inevitable (Al fin y al cabo, lo que llamamos “fin del mundo” no es otra cosa que el fin de la especie humana, y no va a quedar nadie para lamentarse)
Por fortuna, con alarma o sin ella, ‘La hora final’ no parece ser ni remotamente nuestra situación, y tenemos mucho tiempo por delante para disfrutar de las estimulantes obras del ingenio humano que aquí os sugiero. O de otras. Eso ya es cosa vuestra.
Aunque el coronavirus ha provocado algunas cancelaciones y medidas de seguridad extraordinarias en cines de las ciudades más afectadas, la cartelera ofrece una nueva ración de drama, humor y acción para dejar de pensar en la epidemia que acapara las conversaciones.
Aunque el coronavirus ha provocado algunas cancelaciones y medidas de seguridad extraordinarias en cines de las ciudades más afectadas, la cartelera ofrece una nueva ración de drama, humor y acción para dejar de pensar en la epidemia que acapara las conversaciones.
TIM ROTH, CLIVE OWEN Y MELOMANÍA EN UN DRAMA SOBRE EL HOLOCAUSTO
Basada en la novela "The Song of Names", del escritor y crítico de música clásica Norman Lebrecht, "La canción de los nombres olvidados" recorre las vidas de dos hermanos, uno de ellos virtuoso del violín, rotas por el dolor del holocausto nazi.
La película, con una estructura de saltos temporales y tres actores encarnando a cada personaje principal en distintas etapas, clausuró el pasado Festival de Cine de San Sebastián. Tim Roth y Clive Owen encabezan el reparto bajo la batuta del canadiense François Girard, director de "El violín rojo" y de un 'biopic' sobre Glenn Gould.
"FAHIM", UNA HISTORIA DE INMIGRACIÓN Y SUPERACIÓN CON DEPARDIEU
Gerard Depardieu se pone en la piel de un entrenador de ajedrez que ayudará al joven Fahim a convertirse en Campeón de Francia. Es su única opción para evitar ser expulsado de vuelta a su Bangladesh natal, desde donde llegó refugiado a París junto a su padre. Pierre-Fraçois Martin-Laval dirige esta producción francesa basada en hechos reales y que también cuenta en el reparto con Isabelle Nanty y el joven Ahmed Assad.
"Y LLOVIERON PÁJAROS", AMOR Y LIBERTAD SIN IMPORTAR LA EDAD
La directora canadiense Louise Archambault ha llevado al cine la novela de Jocelyne Saucier "Y llovieron pájaros", una historia sobre amor y libertad donde la edad no supone un freno. Tres viejos ermitaños conviven en un bosque de la región de Québec y, tras la muerte inesperada de uno de ellos, dos mujeres irrumpen en su vida.
Primero, una joven que investiga para un museo lo que fue de las víctimas de un antiguo incendio forestal, y después una octogenaria que desde los 16 años había estado recluida injustamente en una institución para enfermos mentales.
"FIRST LOVE": MAFIA, VIOLENCIA Y HUMOR AL ESTILO TAKASHI MIIKE
Mafia, violencia y humor negro se alían en el nuevo filme del japonés Takashi Miike, un thriller de acción sobre un boxeador en una mala racha de su vida que en el transcurso de una noche en Tokio se reencuentra con el primer gran amor de su vida, que ahora es una prostituta drogadicta.
La joven se encuentra inmersa en una trama relacionada con el narcotráfico, que hará que se convierta en el objetivo de varias personas: un yakuza, un policía corrupto y una asesina a sueldo.
"LA FAMILIA SAMUNI", UNA MIRADA DE ESPERANZA
Ganadora del premio al Mejor Documental en el Festival de Cannes y el Premio Especial Las Nuevas Olas en Sevilla 2018. La película dirigida por Stefano Sanova combina el registro documental sobre la vida de una familia de agricultores en Palestina con un trabajo de animación de Simone Massi, que reconstruye los ataques del ejército israelí en la operación Plomo Fundido.
"ANTOLOGÍA DE UN PUEBLO FANTASMA", UNA HISTORIA SOBRENATURAL
Filme fantástico canadiense, dirigido por Denis Coté que compitió en la Berlinale del año pasado. La muerte de un hombre en un accidente de coche en un remoto pueblo en el que nunca pasa nada es el inicio de una extraña sucesión de hechos que ponen en jaque a sus habitantes.
"LAS LETRAS DE JORDI", MÁS ALLÁ DE LA PARÁLISIS CEREBRAL
Jordi tiene 51 años y dificultades motrices y expresivas debido a la parálisis cerebral, pero entiende todo lo que Maider, cineasta, le plantea en este documental que propone una reflexión sobre la fe, los prejuicios y la necesidad de comunicarse.
Opera prima de Maider Fernández, la película nació como proyecto de fin de máster de su autora en la Universidad Pompeu Fabra de Barcelona y ha acabado compitiendo en festivales internacionales como el de San Sebastián.
"LAS VIDAS DE MARONA", UNA LECCIÓN DE AMOR PARA TODA LA FAMILIA
La película de animación Las vidas de Marona narra la historia de una perrita que, víctima de un accidente, recuerda los diferentes propietarios que ha tenido y querido a lo largo de su vida. Su directora, Anca Damian, despliega infinidad de recursos visuales que dan una gran personalidad estética a este filme para toda la familia. EFE.
La directora venezolana Anabel Rodríguez Ríos presenta este martes en el Miami International Film Festival "Once Upon a Time in Venezuela", un documental que usando como ejemplo un pueblo de pescadores muestra cómo "la corrupción se convierte en cultura" en un país.
La directora venezolana Anabel Rodríguez Ríos presenta este martes en el Miami International Film Festival "Once Upon a Time in Venezuela", un documental que usando como ejemplo un pueblo de pescadores muestra cómo "la corrupción se convierte en cultura" en un país.
"La corrupción se volvió cultura a través de un sistema que es tan invasivo y tan totalitarista que cambió a la gente" de Congo Mirador, señaló a Efe la directora venezolana radicada en Austria.
Congo Mirador es un pueblo de pescadores que llegó a tener unos 300 habitantes y se asienta sobre las aguas del lago Maracaibo (noroeste de Venezuela), una zona que la propia Rodríguez describe como "la Venecia minera" y que ha sido alcanzada de lleno por la pobreza y la corrupción política, según dice.
"Once Upon a Time in Venezuela", que en español serÍa "Había una vez en Venezuela", cuenta la historia de Tamara, una representante del partido chavista, y Natalie, una maestra de la escuela local que sueña con un cambio en el país y en su hogar.
El documental, que es una radiografía de la fractura que vive el país en la actualidad, muestra una sociedad corrupta que mantiene a los poderosos mientras que acosa a los opositores dentro del pueblo. Sin embargo, la situación no fue siempre así.
"Hubo un tiempo en el que había mucho dinero en Venezuela y la gente se fue corrompiendo. Muchos no tenían intención de trabajar sino ganar por la vía más rápida", aseveró la directora. Rodríguez comenzó este proyecto en 2014 y lo completó después de cinco años en los que realizó catorce viajes a este lugar "olvidado e inhóspito" por culpa de la sedimentación del fondo del lago Maracaibo y la contaminación de las aguas por los yacimientos petrolíferos.
Gran parte del documental se centra en las elecciones parlamentarias de 2015, en la que la coalición opositora Unidad Democrática consiguió superar a los partidos oficialistas en número de escaños de la Asamblea Nacional, y en cómo se gestaron en un pueblo como Congo Mirador.
La última vez que Rodríguez visitó esta región del estado de Zulia fue en 2018 y, para entonces, la comunidad allí asentada había desaparecido prácticamente salvo nueve individuos que seguían residiendo en la zona.
Este largometraje independiente fue presentado mundialmente el pasado mes de enero en el festival de Sundance de Utah (EE.UU.), y después de Miami viajará a Cartagena de Indias (Colombia), además de otros destinos internacionales que la directora aun está barajando.
A pocas horas del estreno en la ciudad miamense, Rodríguez dice "sentir curiosidad" por lo que piensen el público y los venezolanos residentes que lo vayan a ver, aunque espera que “conmueva y sensibilice” a los espectadores.
"He notado que la gente venezolana de aquí no se quiere conectar mucho con esa realidad y quiere dejar ese pasado atrás", indicó. Sin embargo, sobre todo espera que el filme "genere discusiones" sobre la gente que se ha venido aprovechando del sueño socialista.
"Me di cuenta que yo quería sensibilizar sobre Venezuela con un relato humanista de la condición humana sin pensar en agendas políticas de una o de otra ideología", aseveró Rodríguez. Pese a que teme que su familia, que sigue viviendo en Venezuela, sufra las consecuencias por parte del Gobierno por culpa de esta película, Rodríguez es consciente de que "hay que pelear desde cualquiera de nuestras disciplinas" para que haya un cambio en "las víctimas del totalitarismo".
Por ello, opina que para que se produzca un verdadero cambio en el país lo más importante es “no dejar la presión y la acción ciudadana tan solo dentro del ámbito nacional", para lo que resultan fundamentales este tipo de documentales.
Respecto a las elecciones parlamentarias que se celebrarán este año, Rodríguez no es muy optimista, y aunque votará, augura que se producirá un fraude electoral de nuevo. "Hay que seguir luchando", concluyó. EFE.
Tim Roth, "chico Tarantino" desde "Reservoir Dogs" (1992), estrena este viernes en España "La canción de los nombres olvidados", último poema del director François Girard en su declaración de amor a la música, que abarca 35 años de la vida de dos hermanos, uno de ellos, un judío virtuoso del…
Tim Roth, "chico Tarantino" desde "Reservoir Dogs" (1992), estrena este viernes en España "La canción de los nombres olvidados", último poema del director François Girard en su declaración de amor a la música, que abarca 35 años de la vida de dos hermanos, uno de ellos, un judío virtuoso del…
Contada a través de continuos saltos temporales y alternando tres actores de diversas edades para cada uno de los personajes principales, "La canción de los nombres olvidados" está basada en la novela "The Song of Names" del escritor y crítico de música clásica Norman Lebrecht y recorre una vida entera rota por el dolor del holocausto nazi.
Roth es el hermano adulto que, 35 años después de su desaparición, busca a su hermanastro polaco, un niño prodigio y músico excepcional que fue adoptado por su padre en 1941 cuando ambos tenían apenas diez años y que se desvaneció sin dejar rastro horas antes de dar su primer concierto solista en 1951.
"No sabía nada del libro, me mandaron un primer guion, que luego se cambió bastante para que llegara al gran público, y entonces me sumé yo", explica el actor británico en una entrevista con Efe realizada en el marco del Festival de Cine de San Sebastián donde la cinta clausuró el certamen.
El director es el responsable, entre otras, de películas como "Sinfonía en soledad: un retrato de Glenn Gould" o "El violín rojo" (1998), un periplo por trescientos años de dueños del mismo instrumento, con la que John Corigliano, autor de la banda sonora, ganó un Óscar.
Roth entiende que, como no podía ser de otro modo en Girard, "la música es un personaje que juega un papel crucial en la historia". Pero él se declara "sólo melómano de andar por casa". "Una vez tuve que interpretar a un pianista, pero no sé tocar el piano de verdad, vamos, ni el piano ni nada -sonríe-, pero aprecio la música", se apresura a confesar.
Con el holocausto como trasfondo, la cinta es la búsqueda de ese hermano desaparecido que deja una herida profunda en Martin (Roth), quien muchos años después, en 1986 y por una casualidad del destino, cree reconocer a su hermanastro Dovidl Rapoport en el modo de prepararse para tocar de una aspirante cuando preside un tribunal musical en Inglaterra.
Esa convicción hace que se decida a averiguar qué le sucedió a Dovidl (de adulto, un orondo Clive Owen) y emprende un crudo viaje que lo lleva a Varsovia y Nueva York. Y así, a base de 'flashbacks', se va revelando cómo la familia polaca de Dovidl le envía a Inglaterra para salvarle de la barbarie nazis, aunque él no lo sabe.
Martin, explica Roth, "es un personaje con una infancia difícil, perturbada , porque es este otro niño viene a quedarse en su casa. A ello se suma su sentimiento de abandono cuando el hermano se desvanece en la nada y luego, claro, el tipo de vida que lleva de adulto: normal, sin estridencias, hasta que de repente hay ese destello cuando intuye a su hermano".
"Entonces, empieza una persecución", explica el actor británico. "Supongo que es un hombre tenaz, pero más que un impulso, creo que lo que le mueve es la pérdida, la tristeza y el amor, las tres cosas a la vez". Roth aclara que no es especialmente religioso aunque en su vida ha tratado con muchas personas que sí lo eran.
Supo del Holocausto a través de su padre, "un niño americano que se fue a Inglaterra" y que le hablaba "de la persecución de los judíos en la guerra". "Él sí fue testigo de lo que sufrieron en Europa, pero nosotros salimos una familia más política que religiosa.
En mi opinión, mientras que la gente no sufra daños por la religión, allá cada uno", afirma remarcando el comentario con los ojos y con las manos. Porque Dovidl experimenta un potente viaje, primero, de renuncia a la religión, para luego "abrazarla fanáticamente".
Una radicalización que Roth entiende que sólo es la opción personal de este personaje, una vez descubre lo que le había pasado a su familia, "un viaje único". Roth, que logró una nominación al Óscar por "Rob Roy (la pasión de un rebelde)" (1995), es un hombre amable que derrocha sentido del humor.
Hace 20 años dirigió una película, "La zona oscura" (1999), que tuvo críticas estupendas. Pero "los hijos, pagar sus universidades y evitarles deudas con el banco" le alejó de ese camino que "quizá" -asegura a Efe- "ahora que los niños son mayores" retome. "Estoy leyendo guiones", concluye con un guiño. EFE.
Echar el freno y reír puede ser el único modo de plantar cara a una lucha enquistada. Eso y un buen culebrón. Es la propuesta de Sameh Zoabi, cineasta palestino y ciudadano israelí, en "Todo pasa en Tel Aviv", una comedia satírica sobre el mundo de la televisión con el…
Echar el freno y reír puede ser el único modo de plantar cara a una lucha enquistada. Eso y un buen culebrón. Es la propuesta de Sameh Zoabi, cineasta palestino y ciudadano israelí, en "Todo pasa en Tel Aviv", una comedia satírica sobre el mundo de la televisión con el…
"Si los palestinos tuvieran los ojos azules y la piel blanca, el conflicto habría terminado hace mucho tiempo", ha dicho Zoabi en una entrevista con Efe en la que reprocha a los políticos su falta creatividad.
"El humor permite desacelerar un poco el ritmo y así es como puede irrumpir la creatividad", afirma.
La película, una coproducción internacional que representó a Luxemburgo en los Oscar, gira en torno a un palestino buscavidas que encuentra la complicidad de un comandante israelí, responsable del puesto de control que cruza a diario en Ramala (Cisjordania), para escribir el guion de una famosa telenovela.
PREGUNTA.- La película alude en varios momentos a los acuerdos de Oslo firmados por Yaser Arafat e Isaac Rabin. Veintiséis años después, esos acuerdos parecen papel mojado y el conflicto ya no está en el centro de la agenda política internacional. ¿Cómo valora esto?
RESPUESTA.- Obviamente es negativo. La gente está cansada de oír hablar de ello, nadie sabe cómo acabarlo y a nadie le interesa. En la política actual nadie quiere acabar el trabajo, es terrible, Oslo empezó y terminó al instante, hay demasiadas agendas políticas. Creo que si los palestinos tuvieran los ojos azules y la piel blanca, el conflicto habría terminado hace mucho tiempo.
P.- Usted se define como palestino pero oficialmente es árabe israelí. ¿La guerra está también en el lenguaje?
R.- Soy palestino y ciudadano israelí. El término 'árabe israelí' es un término impuesto y más cómodo para la conciencia de los israelíes. Llamarnos palestinos sería asumir que estábamos ahí antes y a la vez es un modo de separar a los palestinos que viven en Israel de los que viven en campos de refugiados y en Gaza. Divide y vencerás.
P.- ¿Su película es una llamada a la conciliación?
R.- Quería hacer una película sobre la posibilidad de conexión y no de división porque eso lo tenemos a diario. Quería ir contra la política actual de muros, puestos de control y separación, recordar a la gente su humanidad y la conexión.
P.- ¿Y ahí es donde entra el culebrón?
R.- En Oriente Medio vemos muchos culebrones, sobre todo egipcios, quería homenajear esas series con las que crecí. Hubo una época en la que la televisión israelí emitía cada viernes por la tarde un culebrón árabe. Muchos judíos proceden de países árabes y crecieron con su música y cultura, mientras que para los palestinos era el único momento en que la televisión ofrecía algo árabe. Hay algo de nostalgia hacia esa época en la que sólo había una o dos cadenas y todos veíamos lo mismo, es una conexión que ya no existe.
P.- ¿Dónde se ha rodado?
R.- El 70 % en Luxemburgo y el resto en Israel y Palestina.
P.- ¿Es complicado rodar en territorio palestino?
R.- Muy difícil, son zonas bajo ocupación militar, es muy complicado incluso montar una coproducción, por el tema de los seguros. Esta es una historia palestina hecha por un director palestino pero ha representado a Luxemburgo en los Oscar lo que te da una idea de lo trágico de la situación. He hecho una comedia pero la realidad no es divertida.
P.- ¿Cómo han recibido la película israelíes y palestinos?
R.- Ha tenido buenas críticas en ambos lados y creo que es porque es muy verosímil. Todo el mundo sabe cuál es la situación, un israelí no va a admitir que es un ocupante pero sabe que lo es, y si presentas la verdad con una pequeña sonrisa todo el mundo la reconoce. EFE.
La guerra que mantienen abierta los exhibidores con las plataformas de streaming, y sobre todo con Netflix, ha salpicado esta vez al Festival de Cine Español de Cáceres que ha visto cómo el gremio de la exhibición ha vetado la proyección del film "Diecisiete" de Daniel Sánchez Arévalo.
La guerra que mantienen abierta los exhibidores con las plataformas de streaming, y sobre todo con Netflix, ha salpicado esta vez al Festival de Cine Español de Cáceres que ha visto cómo el gremio de la exhibición ha vetado la proyección del film "Diecisiete" de Daniel Sánchez Arévalo.
El propio Sánchez Arévalo, galardonado por el festival con el San Pancracio a mejor dirección por la citada producción de Netflix, ha denunciado esta situación en el encuentro con los medios que ha reunido este sábado a los premiados en el Hotel Don Manuel de Cáceres: Emma Suárez, Julieta Serrano (Premio honorífico) y Ernesto Alterio, entre otros.
El cineasta ha manifestado que su voluntad y la de los organizadores del festival era clausurar la sección oficial con la película "Diecisiete", pero los Multicines Cáceres (donde se han proyectado todas las películas programadas esta edición) se negaron. "Los exhibidores han decidido boicotearla por ser una película de Netflix.
Me imagino un futuro donde pueda ver mi película en una sala de cine", se ha lamentado Sánchez Arévalo. "Yo tengo mi lucha interna en este sentido, y no entiendo ese conflicto, porque en 2019 ha ido más gente al cine que el año anterior, en plena convivencia con las plataformas de streaming. No hay enemigos", ha apostillado.
El director del certamen, Francisco Rebollo, ha aclarado que toda vez que el jurado decidió otorgar el premio a Sánchez Arévalo y se programó la película, "los exhibidores se reunieron con el gremio nacional para vetar la película de Netflix porque, según ellos, ese negocio es el que va a matar las salas de cine".
En su lugar, la sección oficial se clausuró el pasado viernes con la proyección de "Ventajas de viajar en tren", que presentaron Alterio y Pilar Castro; ambos galardonados con el San Pancracio y presentes en el debate sobre si Netflix matará o salvará a la industria del cine.
Al respecto, Alterio ha matizado que "debemos ocuparnos de conectar con el público, que también es responsabilidad nuestra", en referencia a esa competencia entre cine y plataformas. Suárez ha instado a que, independientemente de que cambien las reglas del juego de la industria, "hay que respetar el talento, la creatividad y la diversidad".
También han participado en el encuentro los productores Esther García ("Dolor y Gloria") y José María Fernández ("Buñuel en el laberinto de las tortugas"), que han coincidido en que "están cambiando los hábitos de consumo", pero que "donde más se ven películas es en la pequeña pantalla, que aglutina millones de espectadores", ha manifestado la productora habitual de Almodóvar.
García ha reconocido que las plataformas "permiten que haya más producción que nunca" y ha añadido que "son, sin duda, una oportunidad para los creadores". Aunque ha subrayado que "ver cine en una sala es incomparable" y que en la industria audiovisual "lo que está más en crisis es la exhibición".
En este contexto, el peso de las producciones de Hollywood y su omnipresencia, con grandes campañas de publicidad y miles de copias en distribución, ha salido a la palestra. "No estamos en igualdad de condiciones con otros productos", ha expresado García.
La productora ha explicado a Efe que no considera que el triunfo de la película surcoreana "Parásitos", de Bong Joon Ho, en los Oscar cambie las reglas del juego, y que la industria de Hollywood se abra ahora a exhibir más producciones internacionales. "El triunfo de Joon Ho es puntual. Se debe a una inteligente campaña de promoción y a que la película es muy buena", ha dicho.
Pedro Alonso, San Pancracio por su trabajo en "La casa de papel", y la actriz Carmen Arrufat, han estado presentes igualmente en este encuentro que se celebra como antesala a la gala de clausura esta noche del XXVII Festival de Cine Español de Cáceres, en la que se entregan los premios y que estará conducida por los actores Petra Martínez y Fernando Tejero. EFE.
En la era del empoderamiento femenino, Disney sigue arrasando en taquilla con princesas que recuperan estereotipos del pasado, pero las películas de animación no son las únicas que representan a protagonistas en busca de su "príncipe azul", la falta de educación visual impide estar alerta.
En la era del empoderamiento femenino, Disney sigue arrasando en taquilla con princesas que recuperan estereotipos del pasado, pero las películas de animación no son las únicas que representan a protagonistas en busca de su "príncipe azul", la falta de educación visual impide estar alerta.
Esa es la conclusión a la que llega Ana Vicens, doctora en Comunicación Audiovisual, autora del libro "Heroínas o Princesas: La evolución de las protagonistas de Disney" (UNIR Editorial), en el que analiza la influencia en el imaginario colectivo de las películas de princesas más representativas y que más han recaudado en taquilla.
"Estamos tan acostumbrados a asumir estereotipos que ni nos damos cuenta", explica a Efe Vicens, que reclama como freno la "alfabetización audiovisual" para enseñar a los niños a ver y analizar con sentido crítico, un aprendizaje tan necesario "como la lectura".
Vicens reclama la atención sobre películas aparentemente inofensivas como las de Disney, que "todos tenemos en nuestra memoria" y que pueden condicionar a largo plazo las relaciones amorosas, sociales o familiares.
"Nos cuesta verlo porque nos cuesta ser críticos con nuestra infancia". Dejamos que la televisión se convierta en "niñera" porque llevan el sello Disney y da "confianza" a los padres, pero la realidad es que son historias "cargadas de estereotipos", que modifican los cuentos reales de Hans Christian Andersen para adaptarlas a la cultura americana a sus "ideas morales y éticas".
Argumentos que se trasladan, según Vicens, al cine adulto en personajes como Carrie Bradshaw de "Sexo en Nueva York", Vivian Ward de "Pretty Woman", o Slim en "Sucedió en Manhattan", "cenicientas en busca de su príncipe azul".
Cuando no existe una mente crítica que ayude a analizar los contenidos que visualizamos, en la edad adulta "aceptamos, sin darnos cuenta" tópicos que han quedado fijados en nuestra mente desde la infancia sin perturbarnos.
"Yo animo a la gente a reescribir estas historias como ha hecho Disney con los cuentos clásicos", porque el cuento de "La Sirenita" no acaba tan bien como la película y pocos saben que, en el relato escrito, "Blancanieves" acaba vengándose de manera "cruel" de su madrastra.
Los personajes femeninos de Disney están construidos basándose en el amor a primera vista, en el "felices para siempre", donde "la curiosidad y rebeldía" de los personajes femeninos quedan relegadas a un segundo plano.
"Hoy no tendría sentido un personaje como el de Blancanieves o una chica como Ariel que se casa con 16 años", señala la doctora en Comunicación Audiovisual, "las historias van acorde con el público, pero a una velocidad más lenta de lo que evoluciona la sociedad" y "no sirve de nada si a las niñas se las presentamos en un 'pack'".
La autora del libro señala que si se considera que la violencia de los videojuegos condiciona esos mismos actos en los colegios, por qué no se admite que ver "una y otra vez" estas películas tiene una relación directa con la "baja autoestima y la anorexia" en las niñas.
Los patrones son cada vez más "delgados", basta observar las siluetas de las protagonistas de "Frozen", "las más delgadas de las princesas hasta ahora" y los personajes que más se cambian de ropa de toda la saga de princesas. "No hay que olvidar que el relato está al servicio del marketing".
Incluso en esta última película los roles están encasillados hasta el punto de que se cuestiona por qué Elsa no tiene novio. Algo que ni se plantea en un personaje como Luke Skywalker, porque "importa más su aventura" y, sin embargo, no estamos acostumbrados a ver a "mujeres fuertes y sin pareja, excepto si es la mala".
Películas que la autora del libro considera que forman parte de la historia del cine, "obras de arte", "excelentemente" documentadas, cargadas de simbolismo y con maravillosas canciones, algunas de las cuales han logrado alzarse con un Óscar.
Sin embargo, desde una perspectiva de género, en las nuevas heroínas "no existe" una completa evolución, "incluso las más recientes mantienen una base conductual común" a las de las primeras princesas creadas por Disney.
A pesar de algunos cambios "innovadores" como la muestra del poder femenino "como algo positivo", un "falso" feminismo impregna las películas más actuales, donde los personajes siguen demostrando su dependencia de los personajes masculinos, y la belleza y la delgadez se presentan como signos de bondad y muestran la imperiosa necesidad de encontrar una pareja amorosa, concluye Ana Vincens. EFE.
La conexión permanente entre cine español y cine argentino suma desde este jueves un nuevo capítulo con la apertura de la sexta edición de Espanoramas, una muestra ya habitual en el país suramericano que este año lleva a Buenos Aires cintas como "Lo que arde" y "La virgen de agosto".
La conexión permanente entre cine español y cine argentino suma desde este jueves un nuevo capítulo con la apertura de la sexta edición de Espanoramas, una muestra ya habitual en el país suramericano que este año lleva a Buenos Aires cintas como "Lo que arde" y "La virgen de agosto".
A la inauguración del evento porteño en el Cinépolis Recoleta asistieron dos de los directores cuyas películas se proyectarán en el ciclo, que comienza hoy y termina el próximo miércoles: Esteve Soler, que presenta "7 razones para huir", y Carlo Padial, autor de "Vosotros sois mi película", documental que gira alrededor de una polémica 'performance' del youtuber español Wismichu en el Festival de Cine de Sitges.
SEIS AÑOS DE CICLO DE CINE ESPAÑOL EN ARGENTINA
"Hay como una idea general desde el primer año que se repite: tomar la temperatura de lo que está sucediendo en el cine español", dijo a Efe el programador del festival Fran Gallo.
Gallo reconoció que siente que al mirar el conjunto de las seis ediciones "se nota una cierta evolución en lo que pudo pasar en el cine español desde el año 2014".
Para este año, destacó entre el cartel a una de las revelaciones del país ibérico en 2019, "Lo que arde", de Oliver Laxe, que ya ganó en el Festival Internacional de Mar del Plata en el país suramericano y que además se hizo con dos premios Goya a mejor actriz revelación y mejor fotografía, además de estar nominada a mejor película.
Asimismo, el programador del evento indicó que el público argentino también espera la función de "La virgen de agosto" (Jonás Trueba, 2019).
Otras cintas que cruzarán el charco son "Buñuel en el laberinto de las tortugas" (Salvador Simó, 2019), ganadora del reciente Goya a mejor película de animación, y "La trinchera infinita" (Aitor Arregi, Jon Garaño, Jose Mari Goenaga), que se alzó con dos premios Goya.
El largometraje que abrió la muestra fue "La hija de un ladrón", de Belén Funes, que se llevó otro Goya, en su caso a mejor dirección novel.
EL YOUTUBER WISMICHU, PROTAGONISTA DE UNA DE LAS CINTAS
Uno de los protagonistas de las películas del Espanoramas de este año no es un actor, sino el conocido youtuber español Wismichu, con millares de seguidores en Argentina.
El realizador y escritor catalán Carlo Padial se puso detrás de las cámaras del documental "Vosotros sois mi película", que narra el antes, durante y después de la acción que llevó a cabo Wismichu en el Festival de Sitges, donde estrenó "Bocadillo" (2018), publicitada como la primera película del youtuber y que resultó ser una broma a gran escala.
En realidad, era un bucle de 75 minutos de duración que generó numerosas críticas en las redes sociales y en el mundo del cine y que cuestionaban el trabajo de Wismichu.
"La intención era hacer un documental que sirviera de foto del presente y del cambio cultural tan brutal que estamos viviendo. Creo que no estamos preparados para él y eso nos genera una gran inquietud y unas reacciones muy encendidas, que es lo que despierta a la gente ese bucle", indicó Padial en conversación con Efe.
El director aseveró que "Bocadillo" le sirvió como "coartada para hablar de un mundo que se acaba, otro que llega y un mundo en tránsito".
Sobre Wismichu, indicó que tiene "una visión muy lúcida del mundo en el que se mueve" y resaltó la manera en la que afronta una vida tan expuesta a millones de personas de todo el mundo.
"El mérito que tiene cómo llevan los youtubers y en particular Wismichu todo el alud de interacciones al que se ven expuestos cada día, es que no nos podemos ni imaginar", afirmó.
Padial recalcó que para él presentar en Espanoramas es "un privilegio" y calificó al resto de la programación de "muy representativa" del cine español reciente.
"VÍNCULOS" DE LA PELÍCULA DE ESTEVE SOLER CON UN FILME ARGENTINO
En la misma línea opinó Esteve Soler, codirector y guionista de "7 razones para huir" (2019), para quien es un "honor" formar parte del cartel del ciclo con su filme, que aúna siete cuentos en los que el humor "se mezcla" con el horror y que hacen que el espectador se cuestione aspectos del mundo en el que vive.
"El objetivo es sobre todo generar discusión (...). La gente necesita abordar lo que ha visto y no ha acabado de comprender, (...), si la película genera indiferencia, hemos perdido", analizó.
Por su formato, la película es similar a la local "Relatos salvajes" (Damián Szifron, 2014), y el autor reconoció en el estreno de "7 razones para huir" en Argentina que, aunque las obras de teatro en que se basa su largometraje fueron escritos antes, hay "vínculos" con la obra de Szifron.
"Yo estuve en el estreno mundial en Cannes de 'Relatos Salvajes' y era muy consciente al finalizar la película que esa película, si funcionaba, podía acabar avalando la adaptación de mis propias historias al cine, y fue así", reveló.
Desde su mismo origen, la ciencia ficción (la buena) ha sido campo propicio para explorar los conflictos éticos y políticos de cada época, muchas veces proyectados al futuro y en general en tono muy poco halagüeño, como ocurre en el subgénero de las distopías. Basta pensar en obras como ‘Farenheit…
Desde su mismo origen, la ciencia ficción (la buena) ha sido campo propicio para explorar los conflictos éticos y políticos de cada época, muchas veces proyectados al futuro y en general en tono muy poco halagüeño, como ocurre en el subgénero de las distopías. Basta pensar en obras como ‘Farenheit…
Este género -la ciencia ficción, en global- viene a representar la sucesión en clave tecnológica de la fantasía mitológica desarrollada por el Mundo Antiguo, que a su vez fabula a sobre los problemas y situaciones cotidianas de aquellos tiempos, no tan diferentes a los nuestros. Su pervivencia nos habla de la universalidad de sus ideas, que al cabo son sus preguntas. Si aceptamos como primera obra de la literatura de ciencia ficción al ‘Frankenstein’ de Mary Shelley, también llamado “el moderno Prometeo”, nos damos cuenta de hasta qué punto este planteamiento se aproxima a la verdad.
‘Frankenstein’ es una obra fundacional de este tipo de fábulas, pero también lo son, y de un modo más contemporáneo y “científico” -aunque también más imaginativo que la obra del otro pionero, Verne- la serie de novelas que un joven H.G. Wells escribiría décadas después, una vez que el romanticismo dio pie a la época victoriana. Las historias de ‘La máquina del tiempo’, ‘La Guerra de los Mundos’, ‘La isla del doctor Moreau’ y ‘El hombre invisible’ constituyen por sí solas el cuerpo de una nueva mitología. Escritas en el último lustro del siglo XIX, en sus páginas se recogen temas como la lucha de clases (la división de la raza humana en idiotizados ociosos, los ‘Eloi” y embrutecidos proletarios, los ‘morlocks’), o también la responsabilidad ética del progreso, anticipando, de paso, la ingeniería genética, como así sucede en los monstruosos dominios del doctor Moreau. Sobre la psicosis colectiva descrita en “La Guerra de los Mundos”, otro Wells genial -con una “e” añadida, Welles- vendría a constatar la eficacia del relato al volcarla a un nuevo medio de comunicación, la radio.
El carácter progresista del escritor, un librepensador avanzado a su tiempo, se extendería de su literatura también a su vida privada, enfrentando los prejuicios morales y la hipocresía de su tiempo al decidir vivir su matrimonio como una relación abierta. Tachado de inmoral y mujeriego, su pensamiento político también fue fuente de polémica, no sólo por declararse ateo, socialista y darwinista, sino por la ambigüedad de defender los derechos de los marginados, y al mismo tiempo abrazar en su momento los más radicales postulados eugenésicos. Sea como fuera, de sus intenciones habla el que acabara considerándosele, por sus inquietudes sociales, “el nuevo Dickens”.
Si el discurso y el modo de vida de Wells mereció no pocos reproches, en cambio la aceptación popular de sus libros de ciencia ficción fue inmediata, transversal y sostenida en el tiempo; pero el autor no se quedó en fantasear tampoco aquí, y pronto traduciría en ensayos (‘El salvamento de la civilización’) su preocupación por los derroteros que tomaba el mundo en los albores del nuevo siglo. Horrorizado por la Gran Guerra supo ver el advenimiento de la segunda y volcó su clarividencia en imaginar una sociedad futura disociada entre los conceptos de libertad y seguridad, con el progreso tecnológico como engañosa panacea. Ese es, en último término, el dilema del guión que escribió para la película ”La vida futura” (William Cameron Menzies, 1936)
(...) A ‘EL HOMBRE INVISIBLE’, DE LEIGH WHANNELL
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Los iconos de la “mitología moderna” de H.G. Wells han merecido sucesivas adaptaciones cinematográficas, cada cual hija de sus posibilidades visuales, pero sobre todo del matiz que cada época da a los dilemas éticos que sugieren. Así, la más fiel adaptación de la obra, la homónima de 1933, dirigida por James Whale, queda perfectamente reflejada la angustia y progresiva alienación que provoca en el protagonista sentirse distinto y aislado de la sociedad. El invento de la invisibilidad que en principio podría pensarse como una ventaja convierte a su poseedor en un proscrito.
Casi un siglo después se presenta la película de Leigh Whannell, que recupera el mito para crear una metáfora con el eje cambiado, completamente distinta, por tanto, pero que vuelve a poner de manifiesto la idoneidad y flexibilidad de la ciencia ficción para convertirse en metáfora de todo tipo de vivencias muy próximas y reconocibles. Puestos a buscar otro ejemplo de este tipo de variaciones, se me ocurre el de ‘La mosca’, de Cronenberg (1986), que más que un remake es una reinvención de la película homónima de Kurt Neumann (1958) En esta, la transformación del protagonista sugiere el extrañamiento progresivo de una mujer hacia su marido en una relación que se viene abajo de manera traumática, con la sugerencia de una infidelidad por medio; la del director canadiense, en cambio, describe fase por fase la experiencia de una terrible enfermedad terminal - la del padre de Cronenberg, según confiesa él mismo- hasta su desenlace. Ahí aparecen descritas, con la libertad y expresividad que permite el género, los periodos de negación, euforia, ira... junto a un deterioro físico y moral que puede llegar a convertir a la persona querida en alguien irreconocible.
Volviendo a la película y mito que nos ocupa -‘El hombre invisible’-, si en su primera versión el protagonista es, efectivamente, el científico que enloquece en su aislamiento (meritoria dirección que hace palpable la soledad de un ‘invisible’ Claude Rains), en la de 2020, el personaje de Elisabeth Moss lleva el peso de la trama; y esa trama tiene que ver con un tema tan doloroso y tan de actualidad -o deberíamos decir, urgente- como la llamada “violencia doméstica”; el maltrato en el ámbito de una relación, y de un hombre hacia una mujer, en concreto.
Desde la primera escena, el director acierta a pintar el miedo de la protagonista, Cecilia, gracias al tenso retrato que hace de los espacios, a los que dota de una cualidad opresiva y enervante, y de la interpretación extraordinaria de esa superdotada llamada Elisabeth Moss, bregada en el rol de mujer oprimida que lucha por liberarse de un régimen patriarcal. Su trabajo en esa otra obra de ciencia ficción, la distopía ‘El cuento de la criada’, es ya un hito en su carrera, y lejos de sentirse encasillada, la actriz proclama su orgullo por abanderar la causa feminista en la pantalla.
Ahora, en ‘El hombre invisible’ la actriz encara un reto mucho más próximo al espectador, más íntimo y expuesto, si cabe: a partir del momento en que la angustiada Cecilia sale de la cama de su marido dispuesta a abandonarle, por el rostro que le presta Moss vamos a ver pasar el durísimo proceso de recuperación de una mujer maltratada hasta el extremo.
La metáfora es clara: él ya no está en su vida, pero sí ese miedo, tan invisible como físico, y la necesidad de recuperar la fuerza y la autoestima necesaria para expulsar definitivamente la presencia del acosador. De la inmovilidad que sobreviene después de dar el gran paso a una primera y aparente liberación, junto a las primeras y sutiles interferencias del “invisible” en el entorno laboral y afectivo que la protagonista intenta empezar a reconquistar... todo el proceso sucede en dos planos narrativos paralelos pero una sola lectura, real como la psicología misma de la víctima.
En un punto de inflexión de la película, la subida de la protagonista al altillo para buscar y enfrentarse al invisible es también una exploración interior de sus propias fuerzas con respecto a aquel que continúa cercándole. Inmediatamente después consigue “visibilizar” el perímetro del problema, su siniestra silueta, pero la persecución no ha terminado porque el manipulador se ha encargado de dejar su huella y tratará de usar su ascendencia sobre la víctima hasta el final, a través del chantaje emocional con el que en último término pretende presentarse a sí mismo a su vez como una víctima. No debería ser spoiler las razones del acoso, verbalizadas en la película: “Te necesita porque tú no le necesitas a él” Es la lógica de un narcisista ‘de libro’.
La película no sólo pone el foco en la lucha de Cecilia por superar el influjo de su maltratador, sino que también explora la actitud de las personas que en principio tratan de ayudarla, midiendo su fortaleza, y en ello arrastra al espectador, que en un giro de guión puede llegar a dudar del relato de la víctima. Es una llamada de atención diseñada con ingenio, e insertada justo en un momento en el que la película podría haber caído en lo inverosímil. Pero el director, Leigh Whannell, consigue convertir lo más forzado del film en una metáfora del escepticismo. O al menos, así se lo ha parecido al que esto escribe.
No en vano Whannell ha sido guionista antes de ponerse detrás de la cámara, y lo ha sido además de películas de suspense y terror tan hábiles como la primera entrega de ‘Saw’ (2004) -en la que también le reconocemos como co protagonista- o la serie ‘Insidious’ Un camino de aprendizaje que cristalizó en la sólida ‘Upgrade’ (2018), en la que ya hace triplete en la producción, el guión y la dirección. Con ‘El hombre invisible’ podemos estar seguros de que, al fin, ha conseguido cuajar todo un estilo.
También la película es en sí misma una superación de referentes que sin duda han influido en el director, y no hablo ya de la película de Whale, sino de obras más próximas en el tiempo, los modos y la temática, como la película de culto ‘El engendro mecánico’ (Donald Cammell, 1977), que aúna ciencia ficción y terror en forma de acoso de un cerebro electrónico, “Proteus”, a una Julie Christie con quien la máquina está decidida a tener un hijo; podemos citar, además, ‘El ente’ (Sidney J. Furie, 1982), ya no ciencia ficción sino terror sobrenatural, porque el acosador aquí es un íncubo necesariamente invisible excepto por las secuelas físicas y psicológicas de la víctima. El drama de la película de Furie deviene de la incomprensión del fenómeno por el entorno de la protagonista, pero está supeditado al efectismo de las secuencias que describen los abusos del demonio, el ente en cuestión. Ambas películas -en especial ‘El ente’- resultaron impactantes en su día, y hoy rozan el estatus de films de culto, a pesar de que han envejecido pésimamente, y no tanto por los efectos especiales, sino por no haber profundizado en la metáfora a la que supuestamente sirven. Ese no es el caso de la película que centra nuestra crónica.
Hay una gran virtud en la concepción y narración de esta peculiar versión de ‘El hombre invisible’ que ha conseguido colocarla en el primer puesto de recaudación de taquilla en USA, y no es otra que la combinación del mito científico con un thriller bien elaborado, sin demasiados aspavientos y sí mucho de sugerencia. En sus hechuras de historia con “peligro invisible” -casi un subgénero- se articula con nitidez y fluidez el proceso íntimo de la protagonista, evitando así que en su segunda mitad, sobre todo, se convierta en una historia rutinaria de acoso. Uno quiere creer que la sensibilización del gran público hacia el problema que trata ha hecho también su parte en el éxito del film; y en cualquier caso, no cabe duda de que esta obra, tan netamente arraigada en la era del “me too”, va a contribuir a ello.
Un último apunte para cinéfilos avezados: les invito a buscar la conexión de ‘El hombre Invisible’ con una famosa película de Greta Garbo que en principio podría parecer absolutamente ajena a ésta tanto en su género, como en el tema, y desde luego la época... pero que, a su modo, habla finalmente del empoderamiento de una mujer. Un sólo plano basta para verlo.
La factoría de animación Pixar, creadora de cintas emblemáticas como "Toy Story", "Buscando a Nemo" o "Los increíbles", se lanza por primera vez al género de fantasía con "Onward", una cinta en la que la magia tiene un giro mucho más urbano y moderno que de costumbre.
La factoría de animación Pixar, creadora de cintas emblemáticas como "Toy Story", "Buscando a Nemo" o "Los increíbles", se lanza por primera vez al género de fantasía con "Onward", una cinta en la que la magia tiene un giro mucho más urbano y moderno que de costumbre.
Con las voces de Tom Holland y Chris Pratt, los protagonistas de la nueva película de animación no vivirán en un bosque encantado o un universo de inspiración medieval, sino que habitan en un mundo urbano y actual en el que los gnomos y hadas viajan en motos con chupas de cuero y los centauros hacen cola para recoger su pedido en la hamburguesería del barrio.
"Es divertido redefinir la fantasía, poner a unicornios en la ciudad, a centauros conduciendo coches... Crear cualquier cosa que nunca veríamos desde un punto de visto común. Hacer un mundo de fantasía moderno", desgrana el director de la película, Dan Scanlon, en una entrevista con Efe desde su estudio en la sede de Pixar en San Francisco (EE.UU.).
Allí, rodeado de bocetos de los personajes y de los primeros dibujos con las ideas que luego llevaron al filme, Scanlon asegura que a pesar de todas las invenciones, la historia de "Onward" es la de "un niño que nunca conoció a su padre y tiene la oportunidad de hacerlo".
"Sabíamos que esa historia tenía que pasar en un universo con magia pero queríamos que fuera una relación moderna entre hijos y padres, no un mundo de fantasía", ha explicado el director.
Así, Scanlon ha recuperado los escasos recuerdos que le quedaban de su padre fallecido para dar con una historia que habla de "valores familiares, pero también de la necesidad de tomar riesgos y sacar el potencial de cada uno" Entre las novedades, la cinta de Pixar presentará al primer personaje LGBTI de una película animada de Disney, llamada Officer Specter y que es una policía cíclope que se identifica como lesbiana.
Por su parte, los protagonistas de "Onward" son dos hermanos, uno -con la voz de Holland- "tímido, inseguro y poco aventurero", frente a otro -Chris Pratt- "caótico y divertido", que salen de su zona de confort urbana para aprender a usar la magia hasta encontrar a su padre.
"Cuando creas algo nuevo corres más riesgos porque creas nuevos personajes y no sabes como funcionarán. Hemos hecho algo honesto y creemos que la gente se reconocerá en ello", admite el director sobre el reto de estrenar una historia completamente nueva en medio de una época dominada por nuevas versiones y secuelas como "Toy Story 4", "Cars 3" y "Los increíbles 2".
Y el tiempo demuestra que sacar adelante una nueva idea en Pixar no es sencillo, pues Scanlon junto a su equipo muestra una fotografía de la reunión inicial en la que surgió la semilla de la nueva película: En 2013, casi 7 años atrás y en un reducido grupo que no tenía la seguridad de que su idea de sacar la fantasía de la edad media y llevarla al siglo XXI se traduciría en una nueva película.
"Una película de Pixar siempre toma un riesgo determinado, algo inesperado, como una casa que vuela con globos ("Up"), o el personaje del padre aquí..." comenta el creador. A su lado, la productora de "Onward", Kori Rae, respalda las palabras de su compañero.
"Todas las películas de Pixar son únicas en su estilo, pueden tener similitudes pero cada una es diferente de la otra", declara. A su vez, Rae desvela la receta con la que se trabaja en la factoría de ficción que despegó con "Toy Story" y "Bichos, una aventura en miniatura" y voló alto con "Monstruos" y "Buscando a Nemo".
"Nuestras películas tienen algo que no se ha visto nunca antes, generalmente. Una mezcla de humor, aventura y corazón. Y creo que es lo que queríamos hacer con esta historia", asegura. Este viernes, Pixar y su titular Disney sabrán si su última idea triunfa de nuevo entre los espectadores. EFE.
